Tras el éxito rotundo de ‘La gira de mi vida’, con la que el artista realizó un recorrido introspectivo y personal por su carrera y que tuvo prácticamente todos los aforos completos con más de 250.000 entradas vendidas, Orozco presenta un nuevo capítulo en el que plantea pasar de una mirada personal a una vivencia compartida con su público. El barcelonés anuncia una nueva etapa para su proyecto musical.

‘La gira de tu vida’ nace como una evolución natural a ese proceso. Un concepto en el que reconoce el papel fundamental que han tenido las experiencias de sus seguidores en el desarrollo de su carrera, donde ha sentido cada concierto como una oportunidad de reencuentro. Cada persona como una historia que se narra, cada canción como una experiencia que suma y que deja de ser del autor cuando el público la disfruta.

A lo largo de los años, las canciones de Antonio Orozco han acompañado a sus seguidores en momentos de alegría, así como de tristeza. Han sido un bálsamo frente a despedidas, celebraciones, victorias o cambios, reforzando su relación con el público.

Con más de 1.500.000 discos vendidos, un disco de diamante, nueve discos de platino y un Premio Ondas al Mejor Artista en Directo, además de una nominación a los Latin GRAMMY. Antonio Orozco suma más de 3.000 conciertos en España, Europa y Latinoamérica, consolidándose como uno de los artistas más queridos del panorama musical español.

Las entradas para ‘La gira de tu vida’ ya están disponibles en la página web oficial de Antonio Orozco.

Imagen promocional de la gira – Antonio Orozco – Universal Music

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Cinco segundos de silencio bastan para preparar al oyente a entrar en el nuevo universo musical de La Plazuela. Al darle play a ‘Nº0’ ese breve espacio funciona como un instante para detenerse y atender lo que vendrá.

“¿Puedes escucharme? Escucharme aquí y ahora, que es donde realmente estamos, pero vivimos como si el presente no nos perteneciera, como si nos lo hubieran arrebatado a golpe de estímulo, de ilusión vacía, de producto que consumimos pero que en realidad nos consume. ¿Puedes escucharme?”

Frente a un presente saturado de estímulos, distracción y consumo constante, el tema ‘Nº0’ es la puerta de entrada al segundo álbum del dúo granadino, invitando al oyente a reflexionar sobre el tiempo, la atención y la necesidad de escuchar de manera consciente para disfrutar del aquí y ahora.

Ese instante, que puede durar un segundo o “lo que tarda una manzana en madurar y caer del árbol”, es el prólogo del propio álbum ‘Lugar Nº0 (D.L.Y.)’ acrónimo de Don’t Lose Yourself, el cual representa esa búsqueda a su identidad, a su centro, a lo que quieren mantener y lo que quieren soltar.  Este segundo y esperado trabajo llega dos años después de su debut y, a lo largo de 14 canciones, guía al oyente en un viaje introspectivo, explorando emociones profundas y preguntas que conectan el pasado con el presente, en un ejercicio de honestidad y crecimiento.

‘Lugar Nº0 (D.L.Y.)’ pone en valor la calma, la soledad elegida y la atención como actos transformadores en medio de una vida llena de distracciones y estímulos constantes. La narrativa del álbum conecta con emociones como desarraigo, nostalgia, ansiedad y la calma, manteniendo la esencia de La Plazuela, reconocida por su frescura y honestidad en el panorama nacional.

Su último single adelanto de este álbum fue ‘Tiempos Raros’, el cual habla de esa incertidumbre e incomodidad de cuestionarte e incomodarte para poder crecer. Por su parte, ‘B12”,’ focus track del álbum, es un himno de baile enérgico que combina disco house con guiños al pop japonés de los años 80.

El disco conserva su sonido característico: la mezcla de flamenco, electrónica y funk, incorporando además elementos de jazz, jungle, city pop japonés, salsa y otras influencias que enriquecen el sonido. Esta combinación nos entrega un disco enérgico que contrasta con letras profundas y reflexivas. La producción corre a cargo de Álvaro Arellano (Texture), quien ya trabajó con la banda en La Caleta.

‘Lugar Nº0 (D.L.Y.)’ representa un claro crecimiento artístico: un disco que muestra una evolución en su narrativa y sonoridad, que busca generar preguntas, abrir espacios de escucha y reflejar la búsqueda de identidad.

El lanzamiento del álbum viene acompañado del anuncio de las primeras fechas confirmadas de ‘Lugar Nº0 (D.L.Y.) tour 2026’, donde el público podrá vivir en directo este nuevo capítulo de la banda:

•08 mayo – Barcelona (Sant Jordi Club)

•15 mayo – Granada (Plaza de Toros)

•27 noviembre – Madrid (Movistar Arena)

Cartel promocional Gira 2026 La Plazuela – Taste The Floor/Universal Music

Imagen principal: Cartel Gira La Plazuela – Taste the Floor/ Universal Musical

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Why Not Magazine conversó con el artista desde las oficinas de Altafonte España en Madrid, donde habló sobre el origen de su nombre, la evolución de su estilo, su experiencia en giras internacionales y la proyección que imagina para los músicos ecuatorianos en la industria global.

WHY NOT: ¿De dónde proviene tu nombre artístico?

MACHAKA: Bueno, yo estaba justamente en la búsqueda de un nombre, cuando me encontré con la palabra. Cuando entraba a la biblioteca de la universidad y veía libros de muchas cosas, y por ahí me puse a ver alguno de Cosmovisión Andina, y me encontré con la palabra ‘Machaca’. Me gustó el sonido primero, y después un montón de conceptos alimentaron el nombre.

Entre esos que Machacuay es la constelación de la serpiente, que es la constelación que usaban las culturas precolombinas, sobre todo para movilizarse, de ahí también que existe un insecto en la Amazonía, que parece como entre un lagarto y una mariposa, y tiene una leyenda muy divertida alrededor, porque pica muy fuerte, y la leyenda cuenta que, si te pica una Machaca, tienes 24 horas para tener relaciones sexuales, si no, te mueres.

Entonces, eso puede de alguna manera interpretarse como que el amor te podría salvar. Son un par de cositas que alimentan como el concepto del nombre, pero sobre todo yo soy una persona guiada por los sonidos de las palabras.

WN: ¿Y Martín tiene diferencias con Machaka como artista? ¿Tiene diferencias muy marcadas con el artista?

M: Yo creo que no tengo alter ego, o quizás todavía hay cosas de las que no me he dado cuenta, pero sobre todo pienso que pensaría que Machaca es una extensión o un refuerzo de ciertos rasgos de personalidad que se acentúan y que son quizás como mejores herramientas para transmitir las ideas, para hacer música y para crear una identidad alrededor de eso.

Imagen promocional Machaka | Fuente: The PR Project

WN: Muchas personas dicen que en Ecuador no hay una industria musical consolidada. ¿Tú qué opinas sobre eso?

M: Sí, Ecuador es un país chiquito en ese sentido. No tenemos una industria, es cierto. La carrera de nosotros, de los artistas ecuatorianos, de nuestra microindustria de la que soy parte, de la escena independiente, local, hemos tenido que hacer todo.

O sea, hemos financiamos nuestras propias producciones, organizamos nuestros propios conciertos, creamos nuestros videos, o sea, nos involucramos en todas las partes del proceso que significa mostrarle la música a la gente, porque justamente hay poco de lo que se conoce como industria, o de lo que industrializa de alguna manera los procesos.

WN: Llevas diez años en la música. ¿Cómo dirías que ha evolucionado tu estilo y qué aprendizaje has tenido en todo este tiempo?

M: Lo que me he ido dando cuenta en este proceso es que para mí el arte o la creación, o el oficio creativo, mejora y tiene mucho más sentido cuando te acercas más a quién eres tú.

Entonces, mientras más honesto pueda ser, creo que puedes explorar cosas más interesantes a la hora de crear. Entonces, creo que sobre todo esa ha sido un poco la evolución en este proceso, como la búsqueda de ser más yo mismo como persona, pero también ser más yo mismo como la jerga que uso, incluir elementos culturales muy marcados de Ecuador y estar más alineado y más orgulloso de todas esas cosas que me componen como persona y como artista.

WN: Y hablando justamente de esas palabras o de esa jerga que usas, ¿qué significa el Ecuadorian Sabrosura para ti y cómo se refleja en tu música?

M: Ecuadorian Sabrosura para mí es la versión de la música que yo escuchaba cuando era

niño, pero influenciada por todas las cosas que vive una persona de 32 años en el mundo de ahora. Como tengo diferentes herramientas, soy productor musical, siempre tuve mi llamado particular por el hip hop y por la música electrónica, pero también en mi entorno se escuchaba mucha salsa y mucha cumbia, entonces para mí Ecuadorian Sabrosura es justo eso, lo muy ecuatoriano mezclado con estas herramientas actuales. Creo que mi manera de evocar ese concepto es mezclando idiomas, poniendo a lo ecuatoriano como Ecuadorian y a la sabrosura en español, creo que es una manera que busca evidenciar esa fusión.

WN: Has dicho que tu música es una mezcla de cumbia, de salsa, incluso de sonidos un poco más contemporáneos, ¿qué es lo que te inspira a crear?

M: A mí me inspira a crear música, obviamente las cosas que me pasan, las cosas que vivo en mi día a día, mis experiencias, las cosas que me emocionan, pero también escuchar música, yo escucho música todo el tiempo y me encanta cuando me emociona otra canción y me da ganas de hacer una canción nueva, viniendo un poco con esa emoción que ya me creó otra canción.

WN: ¿Qué géneros aún te faltan por explorar?

M: Me falta por explorar un montón de música, me gustaría explorar más a profundidad la música andina, me encantaría encontrarme más con instrumentos de la música andina, con el charango, con el bombo andino, y también me gustaría explorar mucho más la música del Valle del Chota, tengo un gusto especial por la marimba y por el cununo, entonces espero poder hacer algo pensando en eso.

WN: Las ‘+ 593’ marcó un antes y un después en tu carrera. ¿Qué crees que hizo que conectara tanto con el público y se volviera viral, especialmente como un himno para las mujeres ecuatorianas?

M: Creo que estamos en un momento en Ecuador en el que buscamos ese sentido de pertenencia, entonces la mayoría de las cosas que nos refuerzan o que nos enorgullecen tienen mucha más cabida ahora porque no habían pasado antes.

Creo que no viene solo desde las ‘+ 593’ sino también desde ‘Milagro’ y desde referirnos al Ecuador como este espacio en el que podemos estar súper orgullosos de la cultura, de nuestra geografía, de nuestros paisajes, de nuestra comida, de nuestra gente, entonces si es que están pasando cosas que nos acercan a eso, creo que estamos en un momento súper receptivo y ha sido como lo que dices tú, bastante orgánico porque es algo que nos está pasando en conjunto, no solo a mí sino a la mayoría de ecuatorianos.

WN: Empezaste en agosto tu gira estando por Estados Unidos, Ecuador y ahora por Europa, ¿cómo ha sido la experiencia de llevar tu música, la identidad ecuatoriana como altavoz a otros países?

M: Me ha encantado la experiencia de esta gira porque es la primera vez que tocamos después de lo que ha pasado conto el alcance que tuve con mi última canción. Entonces sí, están pasando un poco de cosas con las que tal vez en algún momento estaba soñando como artista que era pararme al frente de un montón de personas y que se sepan una canción mía y que la coreen.

Ha sido una experiencia increíble que además viene reforzada por este sentido de pertenencia. Siento que la gente lo está cantando con un cariño especial y eso me ha emocionado un montón de esta gira.

WN: Estuviste este fin de semana en el Saca El Diablo en Madrid, ¿qué diferencias puedes pudiste notar entre el público de aquí, de Madrid, con el público de Ecuador?

M: Creo que sobre todo en este último concierto había muchos ecuatorianos,

latinos también, pero sobre todo ecuatorianos que están aquí como de alguna manera en condición de migrantes o que sus familias han migrado o que van poco a Ecuador, pero todo esto compone unas personas que sí extrañan algo que tenían antes y que tiene mucho que ver con desenvolverse lejos de la casa. Entonces el encuentro con esta gente es particularmente cálido porque no solo es un público, no solo es un concierto, sino también es un reencuentro.

WN: Vas a presentarte en Estéreo Picnic en 2026, uno de los festivales internacionales más importantes de Colombia, compartiendo cartel con artistas como Peso Pluma y Sabrina Carpenter. ¿Qué significa para ti esta oportunidad y qué retos implica tanto a nivel personal como en tu rol de artista ecuatoriano que está abriendo camino en escenarios internacionales?

M: Bueno, primero es como un gran, gran, gran honor estar invitado a un festival como este porque además lo he visto pasar delante de mis ojos. Algunas veces siempre vi los afiches y no me lo tenía en mente, no decía “algún día quiero tocar ahí”. Entonces hay una emoción particular con eso.

No soy el primer ecuatoriano en tocar en Estéreo Picnic, ha habido algunas bandas anteriores, entre ellas: La Máquina Camaleón, Da Pawn, Mateo Kidman, Nicola Cruz. Creo que puedo ser el quinto o el sexto, no tengo el número exacto, pero sí, estoy súper emocionado y además de poner mi granito de arena para que ojalá siga pasando la internacionalización de los artistas ecuatorianos.

WN: Mirando hacia adelante, ¿cómo ves el futuro de los artistas ecuatorianos dentro de la industria musical internacional?

M: Bueno, yo creo que ya está pasando algo interesante, si bien conversábamos de que no se siente que Ecuador tenga una industria grande, creo que sí hay algunos ojos puestos en lo que está pasando en Ecuador y se escucha en los medios internacionales, se escucha en la opinión de afuera como hay algo interesante pasando en ese pequeño cosmos, en esa micro escena salen propuestas de mucha calidad y que llaman mucho la atención, entonces creo que sí estamos en un momento particular, en un momento de quiebre o en el que sí, empiezan a pasar cosas mucho más grandes con los artistas que yo los he escuchado y realmente hay propuestas muy buenas.

WN: ¿Qué canción tienes ahora mismo en loop, esa que no paras de escuchar?

M: Estoy en loop con ‘MalibU’ de Rusowsky.

Imagen principal: Imagen promocional Machaka – The PR Project

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Empezó esta noche de sonoridades latinas el cantautor peruano Gian Marco a las 20:15 horas, abriendo su directo con ‘Lejos de ti’, acompañado por una banda en vivo integrada por teclados, bajo, batería, guitarra y saxo, además de él mismo alternando entre el ukelele y la guitarra.

Durante un poco más de una hora, el artista recorrió su trayectoria con temas que marcaron generaciones como ‘Te mentiría’, ‘Se me olvidó’ y ‘Hoy’. También interpretó canciones de su más reciente trabajo discográfico titulado ‘Aún me sigo encontrando’, como ‘Hasta que vuelvas conmigo’ o ‘Contigo hasta el final’, mostrando una madurez artística que resonó con la audiencia.

Gian Marco ofreció un show lleno de sus éxitos musicales, así como regalándole al público algunos guiños a clásicos como ‘La bilirrubina de Juan Luis Guerra y ‘Me va a extrañar’ de Ricardo Montaner, generando una conexión inmediata con todos los asistentes, sobre todo con la comunidad latina presente en el recinto.

 

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La segunda parte de la noche vino de la mano del colombiano Fonseca, quien inició su concierto con una energía imparable y una propuesta que combinó lo íntimo con una auténtica fiesta. Arrancó su presentación con uno de sus temas más populares de su trayectoria con ‘Eres mi sueño’, seguido de ‘Simples corazones’, ‘Vine a buscarte’ y ‘Pedacito de playa’, etc. contagiando al público de su característico sonido pop-latino lleno de matices caribeños.

Uno de los momentos más conmovedores fue con algunas de sus baladas como ‘Ven’, para todos los enamorados de la noche, y la interpretación de ‘Nunca me fui’, canción con la que Fonseca compartió con su público que lleva 14 años viviendo fuera de su querida Bogotá. Fue un instante de profunda conexión con muchos de los asistentes, también migrantes, que encontraron en su música un puente emocional hacia sus países de origen y que corearon con mucha emoción.

Con casi dos horas de show, Fonseca cerró su show con algunos de sus éxitos como ‘Arroyito’, ‘Hace tiempo’, ‘Te mando flores’ y ‘Prometo’, desatando la euforia del público que bailó, cantó y celebró en una noche fresca de verano madrileño que dejó el alma llena y el corazón latiendo al ritmo de América Latina.

Peruanos, colombianos, venezolanos, ecuatorianos, mexicanos y también españoles corearon y disfrutaron cada canción como si se tratara de un reencuentro con sus raíces.

Imagen principal: cartel promocional Fonseca y Gian Marco – Noches del Botánico

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