Después de dos años sin publicar música propia, Jorge Castaño regresa con ‘Millonario’, un single que inaugura una nueva etapa artística marcada por la autenticidad y la necesidad de crear sin la presión de las expectativas. El cantante, compositor y productor apuesta por un sonido más orgánico, donde la sensibilidad de la canción convive con influencias del folk, el indie y el pop, consolidando una identidad construida desde la honestidad y la introspección.

En esta entrevista, el artista repasa el camino que le llevó a reencontrarse con la música tras un periodo dedicado a la producción, reflexiona sobre su evolución creativa y desvela cómo nació ‘Millonario’, una canción que se aleja de los relatos de desamor para celebrar ese sentimiento que permanece con el paso del tiempo.

Charlamos con Jorge Castaño

Why Not Magazine: Tu relación con la música comenzó siendo muy joven. ¿Qué recuerdas de aquellas primeras veces descubriendo que tu sitio era este, la música?

Jorge Castaño: Todo empezó durante una exhibición que hizo el conservatorio en mi colegio. Vi a unos chicos, que tampoco eran mucho mayores que yo, haciendo una demostración y me quedé completamente prendado. Fue en ese momento cuando quise aprender a tocar la guitarra y cuando realmente me enamoré de la música.

Por suerte o por desgracia, no sé muy bien cómo llamarlo, terminé estudiando trompeta en lugar de guitarra. En aquel momento no me gustó y, de hecho, solo aguanté un par de años antes de dejarlo. Ahora me arrepiento muchísimo de haber tomado esa decisión, aunque creo que, gracias a ello, acabé aprendiendo a tocar la guitarra de forma autodidacta y empecé a escribir mis propias canciones. A veces me pregunto qué habría pasado si hubiera entrado directamente al conservatorio para estudiar guitarra.

WN: Este momento marcó tu amor por la música, pero ¿hubo otro en el que dijeras “Sí, me quiero dedicar a esto”?

JC: Recuerdo que en mi familia siempre han sonado mucho Melendi, Pablo Alborán y Antonio Orozco, y yo me quedaba embobado escuchándolos cuando era pequeño. Me fascinaba que una canción pudiera conectar con alguien que ni siquiera conocía al artista. Entonces empecé a soñar con escribir mis propias canciones y conseguir que, al menos una persona, sintiera que estaba contando su historia.

 

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WN: “Hay artistas que escriben canciones para contar historias. Otros las utilizan para entenderse a sí mismos”, así te describe tu equipo. ¿Cuál es el significado personal que le das a la música?

JC: Para mí, la música es una terapia. Con el tiempo me dejé llevar por la obsesión de alcanzar cifras y metas, algo que creo que nos pasa a muchos artistas y que me acabó alejando de la verdadera esencia. Ahora estoy volviendo a conectar con el Jorge compositor del principio, disfrutando de crear por una necesidad genuina de expresarme y no por perseguir un objetivo concreto.

WN: ¿Qué papel juegan hoy precisamente la composición y la producción en tu identidad artística?

JC: La producción llegó más tarde. Empecé solo como compositor, pero al mudarme a Madrid y convivir con un productor, Alex Granero, fui aprendiendo hasta convertirla en una parte esencial de mi identidad. Creo que autoproducirme me permite plasmar mi personalidad al completo y, por eso, considero importante que los artistas participen activamente en ese proceso.

WN: A los 17 participaste en ‘La Voz’ y, un año después, te mudaste a Madrid. Si echas la vista atrás, a aquel Jorge que daba sus primeros pasos en la industria, ¿qué ha cambiado y qué sigue exactamente igual?

JC: Sigo profundamente enamorado de la música, aunque ha habido momentos de amor-odio por la presión y las expectativas. Después de dos años sin sacar ninguna canción, sentía que me faltaba una parte de mí. Fue otra artista a la que produzco quien me empujó a lanzar un nuevo ‘single’ y volver a poner en marcha mi proyecto, con la intención de seguir compartiendo música de forma constante.

WN: Han pasado dos años desde ‘Fue hecho así’, tu último single. Ahora vuelves con ‘Millonario’. ¿Por qué sentiste que esta era la canción adecuada para regresar?

JC: De todas las canciones que he hecho en estos dos años, “Millonario” es una de las que más me gusta porque siento que tiene algo especial. Es un tema muy visual, algo que he buscado cada vez más en mi forma de componer. Antes hacía canciones muy metafóricas, hasta el punto de que a veces ni yo mismo las entendía, pero con el tiempo he aprendido a transmitir ideas más claras. Ahora intento que la complejidad esté en las imágenes y en conseguir que una frase pueda hacerte ver una escena sin perder la belleza de la canción.

WN: Has contado que el tema nace sin un objetivo concreto, simplemente desde las ganas de crear algo sin expectativas. ¿Cómo fue el proceso de composición?

JC: Después de pasar un año sin escribir nada para mí, me propuse volver a crear y hacer al menos un tema a la semana durante algunas semanas. Así nacieron varias canciones, aunque ‘Millonario’ surgió de una forma más espontánea, sin buscar una temática concreta. Empezó con una frase, unos acordes y una melodía que me hicieron sentir que había algo especial. Hay canciones que, desde el primer momento, se sienten diferentes y sabes que tienen algo.

WN: ¿Crear sin expectativas en el resultado es fácil de decir, pero difícil de aplicar en una industria tan pendiente de los números?

JC: Es curioso porque creo que muchos de los éxitos han llegado más por la casualidad y por disfrutar del proceso más que por estar persiguiendo un objetivo concreto. Por eso intento quitarme presión y recordar que hacer música, como cualquier forma de arte, nace de la necesidad de expresarse. Cuando empezamos a crear solo para conseguir resultados, números, podemos entrar en un bucle de frustración y alejarnos de lo más importante: disfrutar del propio proceso creativo.

WN: ¿En qué sonido o estilo encajarías este tema y, especialmente, este arranque de etapa?

JC: Mi música ha ido cambiando mucho con el tiempo, por eso es difícil encasillarla en un solo estilo. Empecé más como cantautor, con canciones muy metafóricas y una esencia más de banda tradicional. Al llegar a Madrid y rodearme de otros artistas, descubrí nuevos sonidos y fui evolucionando hacia una propuesta más moderna y fresca. Ahora siento que mi música mezcla la esencia acústica de la canción de autor con influencias del folk, especialmente de la música inglesa, y un toque de pop e indie.

WN: Estamos acostumbrados a que, dentro de géneros como el pop, se hable mayoritariamente del desamor. Tu tema, sin embargo, habla de lo contrario: de ese amor que permanece. ¿Qué te animo a poner el foco en esa historia?

JC: Aunque mi historial de canciones siempre ha estado muy ligado al desamor, sentía que también quería hablar de otra forma de amor. Normalmente es más fácil escribir desde el dolor porque necesitamos exteriorizar lo que nos pasa, pero esta canción nació de una manera diferente: unos acordes me llevaron hacia una primera frase y acabé hablando de una relación de muchos años. Quise reflejar lo especial que es conectar con alguien, compartir la vida y construir un amor que supera dificultades y sigue imaginando un futuro juntos.

WN: En la canción se percibe una mirada más serena y madura sobre las relaciones. ¿Crees que también refleja una versión más madura de ti mismo?

JC: Siempre he sentido que, a nivel compositivo, he tenido una cierta madurez, incluso escribiendo canciones con 13 años que parecían hechas por alguien mucho mayor. Pero con el tiempo esa madurez también ha evolucionado: ahora tengo una visión más profunda de lo que significa escribir una canción, desde la idea inicial hasta todo el proceso de crearla.

 

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WN: ¿Qué te gustaría que sintiera alguien que escucha ‘Millonario’ por primera vez?

JC: Me gusta que cada persona pueda sacar sus propias conclusiones de mis canciones y hacerlas suyas. Muchas veces escribo un tema con una intención concreta, pero luego alguien me cuenta que le ha significado algo completamente diferente, y eso me parece precioso. Lo importante para mí es que la canción pueda acompañar a alguien en un momento difícil, hacerle sentir comprendido o simplemente ayudarle a estar un poco mejor.

WN: Intuimos que ‘Millonario’ es solo el comienzo de un proyecto más amplio. ¿Qué puedes contarnos de esta nueva etapa?

JC: Lo dicho: música bastante orgánica. Aunque ese sonido siempre ha estado presente en mi música, esta nueva etapa apuesta más por el folk, el indie y un toque de pop, con un enfoque muy cercano.

WN: ¿Las próximas canciones seguirán explorando el terreno emocional e introspectivo o veremos nuevas facetas de Jorge Castaño?

JC: Puede ser que veáis nuevas facetas de Jorge. Sí es cierto que me considero un artista que siempre ha probado cosas nuevas, por lo que ya es difícil de sorprender. Pero sí hay cosas que no he tocado en otros temas que pueden estar presentes en este nuevo proyecto.

WN: ¿Qué objetivos te marcas para esta comienzo: conectar con más público, crecer como creador, disfrutar más del proceso… o un poco de todo?

JC: Últimamente me hacen mucho esta pregunta, y la respuesta es sencilla: mi objetivo prioritario es la tranquilidad. Quiero hacer música y compartirla, sin estar obsesionado con conseguir determinadas metas. He pasado dos años sin publicar canciones y me he sentido menos yo por ello. Ahora lo importante es volver a compartir mi música; si conecta con la gente, genial, y si llega a cien personas, también será maravilloso.

WN: Para terminar, haciendo referencia al título de tu single, ¿de qué eres millonario?

JC: Soy millonario de mi círculo cercano: de familiares y amos. De eso me considero millonario.

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Imagen destacada: Cedida por el equipo de representación del artista

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Tras ‘Tantas veces como respiro’, Alexandra Roma ha regresado a las librerías con ‘Cada maldito segundo’, la esperada entrega que pone punto final a su bilogía ‘Algo como nosotros’. En esta segunda parte, los caminos de Sadie y Dacre vuelven a cruzarse cuatro años después del arrollador fenómeno de ‘Averno’, dando paso a un reencuentro marcado por la madurez, las heridas del pasado y el desafío de desprenderse de las máscaras impuestas por la fama.

Una despedida definitiva con la que la autora no solo firma la evolución más personal de sus protagonistas, sino que también reivindica la importancia del autodescubrimiento y las segundas oportunidades.

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Charlamos con Alexandra Roma

Why Not Magazine: El 1 de julio se publicaba ‘Cada maldito segundo’. ¿Es fácil gestionar emocionalmente el lanzamiento del cierre de una bilogía?

Alexandra Roma: Es complicado resumir lo que se siente al terminar una bilogía porque conviven dos emociones opuestas: por un lado, sientes un alivio enorme y un gran orgullo por haber cerrado la historia como querías tras convivir tanto tiempo con ella; pero, por otro, te invade una profunda tristeza al asumir que es un adiós definitivo. Al principio me dio por entrar en negación, pero cuando me di cuenta de que al día siguiente ya no tendría que escribir sobre mis personajes, me rompió el corazón. Sé al 99,9% que no volveré a profundizar en ellos, y da muchísima pena despedirte para siempre de dos amigos con los que sabes que ya no vivirás nada nuevo.

WN: ¿Este final es cómo siempre lo imaginaste? ¿Estás orgullosa de él?

AR: No es exactamente el final que había imaginado en un principio, aunque sí he mantenido la esencia. Mi intención inicial era escribir algo más comercial y de película, con «fuegos artificiales», pero los personajes se me resistieron; intentaba forzar escenas bonitas, pero no las sentía reales ni en la piel. Tras días de frustración, dejé de poner frases bonitas de cara a la galería y la historia por fin fluyó de forma auténtica.

WN: ¿Sadie y Dacre ha escrito entonces su propio final?

AR: Sí, definitivamente. Aunque parta de una estructura clara, me considero una autora híbrida entre brújula y mapa porque lo que más me importa es conocer a fondo a los personajes y definir el alma de la novela. Para conectar de verdad con ellos escribo muchísimo material de fondo que ni siquiera llega al libro, y por eso les doy tanta libertad a lo largo del proceso. si durante la escritura los personajes se me hubieran rebelado al final y hubiera tenido sentido cambiar el desenlace, sin duda se lo habría concedido.

WN: Precisamente, en ‘Cada maldito segundo’, Sadie y Dacre se reencuentran cuatro años después del fenómeno de ‘Averno’. ¿Qué más esconde este camino que vuelven a transitar juntos?

AR: Quería que los dos libros se sintieran claramente diferenciados para reflejar la evolución de los personajes: si la primera parte plasmaba la inexperiencia, el piloto automático y el modo supervivencia de un rodaje arrollador, en esta segunda entrega, tras cuatro años de reflexión, se reencuentran como personas más maduras que saben qué quieren y qué no repetirían. Me resultaba fascinante explorar la moda de los reencuentros televisivos, donde cobran peso las vivencias del resto del elenco y esa mezcla entre realidad y ficción; esa fachada en la que todo debe parecer maravilloso ante las cámaras mientras el público busca el morbo de ver qué ocurre de verdad entre los protagonistas.

WN: Sadie y Dacre llegan a este reencuentro con muchas heridas, tanto compartidas como individuales. Aunque ambos libros los escribiste del tirón, ¿cómo fue volver a entrar en la cabeza de estos personajes después de ‘Tantas veces como respiro’?

AR: He de aclarar que no he escrito el segundo libro en dos meses; de hecho, escribí ambos del tirón no solo por las exigencias de un mercado donde la novela exige lanzamientos seguidos, sino por ser controladora y poder ajustar detalles sobre la marcha. Entre un libro y otro me tomé un descanso de escritura para documentarme, refrescar la mente y abordar a los personajes con la madurez que exigía el paso de los años. Aunque me dio muchísimo trabajo corregirlos juntos una y otra vez para no perder ningún detalle, valió la pena porque pude verificar que mantenían su esencia mientras mostraban un salto de comportamiento y un gran avance respecto al primero.

Alexandra Roma publica su nuevo libro, ‘Cada maldito segundo’ | Fotografía: Javier Ocaña

WN: Sadie ha logrado su sueño: convertirse en una actriz de éxito. Pero no todo lo que brilla reluce por detrás. Sin ‘spoilers’, ¿en qué punto emocional termina la primera parte y se encuentra tanto tiempo después?

AR: Para mí, Sadie arrastra a lo largo de las dos novelas un problema de identidad. Tiende a definirse a través de la mirada ajena y, aunque intenta ser fuerte, según los ojos que la miren se siente más o menos segura. Tras el fenómeno inicial y una buena racha con papeles de prestigio que la alejaron de esa etiqueta injusta de “mala actriz” tan típica de lo juvenil, ahora enfrenta el inevitable tropiezo tras haber elegido malos proyectos, sumado a una pareja que tampoco la ve como necesita.

Su punto de partida en esta historia es el miedo y la vulnerabilidad de quien, habiéndolo alcanzado todo, debe aprender a gestionar por primera vez el fracaso y la duda de si volverá a encontrar su camino.

WN: Si Sadie representa, en cierto modo, el peso del éxito, ¿Dacre encarna la renuncia? ¿O sería simplificar demasiado a un personaje tan complejo?  

AR: Drake aquí es, por fin, libre. Al no estar atenazado por el miedo —que es lo que normalmente te enturbia la mirada y te paraliza—, puede ver las cosas con absoluta claridad, enfrentarse a lo que venga y actuar sin ataduras, sabiendo que la única opción que tiene es quedarse como está o ganar.

WN: Entre ellos, si Sadie y Dacre se reencontrasen con los Sadie y Dacre de hace cuatro años, ¿se verían reflejados el uno en el otro o han cambiado muchas cosas?

AR: Aunque ambos han cambiado muchísimo, creo firmemente que necesitaban transitar este camino y equivocarse para poder evolucionar; si Drake no hubiera cometido sus errores, por ejemplo, seguiría siendo el mismo tipo inaccesible de hace cuatro años. Sufrir les permitió descubrirse y conectar con sus propias vulnerabilidades e inseguridades, algo imposible de hacer cuando vives parapetado tras barreras defensivas. Hoy no se reconocerían al mirar al pasado porque saben cuánto han madurado, pero asumen que todo ese recorrido era indispensable para ser quienes son.

WN: Más allá de ellos a nivel individual, esa conexión que comienzan a construir en ‘Tantas veces como respiro’ continúa ahí, quizá de una forma diferente, más madura. ¿Qué amor dirías que exploras en esta novela?

AR: Creo que la novela habla de las segundas oportunidades y de cómo el amor se impone aun cuando intentas evitarlo. El arrepentimiento no se demuestra con palabras, sino con hechos y con tiempo; por eso, aunque ambos se repitan que no quieren estar juntos, sus acciones no paran de decir lo contrario. De forma casi inconsciente, van construyendo una relación a través de los pasos adecuados: esa forma de amar en la que te preocupas y actúas bien sin pretender nada a cambio, solo porque el bienestar de la otra persona te importa más que la propia relación.

WN: ¿Todos nos merecemos una segunda oportunidad?

AR: No creo que todo el mundo se merezca una segunda oportunidad, pero en este caso siento que Drake se la gana, y lo bonito es que lo hace sin pretenderlo ni seguir ninguna estrategia. Hay vínculos que se rompen para siempre y no deben retomarse, pero a veces sí merece la pena apostar por una segunda oportunidad cuando las acciones nacen desde un lugar sincero.

WN: Cuando hablamos para ‘Tantas veces como respiro’, te dije que esta pregunta la dejaba para este momento, para cuando se publicara el segundo libro. Después de todo, ¿qué poso buscas dejar en tus lectores a través de la bilogía completa?

AR: Más allá de que los lectores disfruten viviendo desde dentro un rodaje, una promoción y un reencuentro, me haría muy feliz que la novela sirviera para invitar al autodescubrimiento. Aunque esté llevado al extremo a través de la vida de los actores, en el fondo esta bilogía habla de quitarse las máscaras, liberarse de las expectativas ajenas y revisar quién eres realmente en cada etapa. Muchas veces pasamos años persiguiendo metas que fijamos hace tiempo sin pararnos a pensar si nos siguen haciendo felices en el presente. Por eso, mi mayor deseo es que al cerrar el libro la gente se haga esa misma pregunta: quién es cuando deja de actuar y qué es lo que de verdad quiere hoy.

‘Cada maldito segundo’ cierra la bilogía ‘Algo como nosotros’ | Fotografía: Javier Ocaña

WN: Y tú, ¿qué crees que te llevas de Sadie y Dacre que permanecerá en ti a partir de ahora?

AR: Esta novela siempre tendrá un lugar muy especial en mi corazón porque me ha devuelto la ilusión y me ha reconectado de lleno con la escritura. Venía de un bloqueo creativo, atrapada entre tantos estímulos y la presión de querer hacer algo puramente comercial, pero la llegada de estos personajes me permitió dejarme llevar de nuevo, ir a ciegas y volver a disfrutar de la pura magia de escribir y sentir. Me recordó exactamente por qué amo esto, como cuando tenía dieciséis años y escribía sin filtros por el simple placer de hacerlo; de hecho, gracias a ellos he recuperado un ritmo de escritura lleno de ganas e historias que realmente me apasionan.

WN: Para terminar, si te diesen solo un segundo para recordar una escena de la bilogía, ¿cuál sería?

AR: La escena del baile de máscaras. No diré más sobre ella, pero estoy segura de que, quién la haya leído, entenderá a lo que me refiero.

Imagen destacada: Javier Ocaña – Cedida por Editorial Planeta

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En 2024 hablábamos por primera vez con Alejandra Beneyto, una autora que había construido su camino desde la autopublicación hasta llegar a una gran editorial. Desde entonces, su trayectoria ha seguido creciendo con tres nuevas publicaciones, entre ellas ‘Ese quizá llamado nosotros’ y ‘La luz de todos nuestros otoños’. Lejos de mirar este recorrido desde la distancia, Beneyto lo afronta con los pies en la tierra, como una carrera de fondo en la que cada libro supone un nuevo paso.

Ahora vuelve con El verano que fuimos libres, una historia nacida hace años y transformada con el paso del tiempo, al igual que su propia mirada como escritora. A través de Wes y Elise, dos personajes marcados por la pérdida y unidos por una conexión que desafía el paso de los años, la autora explora la evolución de los vínculos, las segundas oportunidades y la forma en la que nuestras experiencias nos moldean. En esta conversación hablamos sobre la creación de esta novela, el peso de las estaciones, la evolución de la literatura romántica y esos espacios de reflexión que busca dejar en sus historias.

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Charlamos con Alejandra Beneyto

Why Not Magazine: En 2024, hablábamos por primera vez. Desde entonces, han llegado tres libros en total. ¿Qué sientes al ver el camino recorrido y que todo comienza a dar sus frutos?

Alejandra Beneyto: A veces miro atrás y me sorprendo de todo lo que ha pasado en tan poco tiempo. Aunque ya había autopublicado y tenido una pequeña experiencia editorial, dar el salto a una editorial como Crossbooks fue un cambio muy grande. Mi vida sigue siendo muy normal, sigo con mi trabajo y prefiero tomarme esto como una carrera de fondo, más aún en un momento complicado para el sector. Es verdad que con ‘La luz de todos nuestros otoños’ sentí por primera vez que todo estaba creciendo, pero mi intención sigue siendo avanzar libro a libro y disfrutar del proceso paso a paso.

WN: ¿En algún momento llegaste a imaginar todo lo que estarías consiguiendo años después de ‘Pregúntame si me importas’, aquel primer libro autopublicado?

AB: La verdad es que no. Cuando autopubliqué tenía 27 años y estaba empezando a construir mi vida adulta, así que lo hice sin una expectativa clara. Tenía una visión muy idealizada del mundo editorial y pensaba que publicar y triunfar era casi inmediato, pero tampoco era ese mi objetivo. Después pasé varios años sin publicar por motivos personales, como la maternidad, y nunca imaginé que volvería de la mano de un sello tan importante. En aquel momento, además, las grandes editoriales todavía no estaban apostando por las autoras que veníamos de Amazon, así que un escenario como el que estoy viviendo ahora ni siquiera se me pasaba por la cabeza.

 

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WN: En tus historias siempre pones el foco de atención sobre las relaciones y las emociones; también por vena psicóloga. ¿Ha evolucionado tu mirada sobre estos temas desde tus primeras novelas?

AB: Sí, sin duda. Han pasado más de diez años desde que empecé a escribir y, en ese tiempo, mi forma de mirar las relaciones también ha evolucionado. La maternidad ha sido una experiencia muy transformadora para mí y, además, la novela romántica y la sociedad en general han cambiado mucho en la manera de entender ciertos vínculos. De hecho, he retirado algunas de mis primeras novelas porque hoy no escribiría determinadas situaciones que entonces se presentaban como románticas y que ahora considero conductas tóxicas, como insistir cuando alguien ha dicho que no.

No reniego de esa etapa, porque era fruto de un contexto y de una mirada distinta, pero sí creo que tanto el género como yo hemos evolucionado hacia una forma mucho más consciente de contar las relaciones.

WN: ‘El verano que fuimos libres’ nos comienza teletransportando a Santa Mónica (California) donde conocemos fortuitamente a Wes y Elise, como también lo harán ellos. ¿Cómo llega hasta ti esta historia? ¿Cómo nace?

AB: Empecé a escribir esta historia en octubre de 2019 y, aunque la he reescrito mucho, todavía conserva la esencia de aquella primera idea. Lo primero que tuve claro fue el encuentro inicial entre los protagonistas, esa noche de verano con un aire casi de película romántica de los 2000. Sin embargo, no sabía cómo iba a continuar la historia, así que la dejé aparcada durante un tiempo mientras escribía otras cosas.

Con los años fui encontrando las piezas que faltaban y la propia historia me fue llevando de la mano. Mirando atrás, me alegro de que haya necesitado tanto tiempo para terminarla, porque si la hubiera escrito entonces habría sido una novela muy diferente; creo que esta es la historia que realmente tenía que contar.

WN: ¿Qué te animó a recuperar esa idea inicial que dejaste aparcada?

AB: Hubo una parte muy pragmática y otra más emocional. Tenía una fecha de entrega, la novela en la que estaba trabajando no terminaba de funcionar y necesitaba encontrar una alternativa; entonces, recuperé esta historia. De vez en cuando volvía a abrir el manuscrito, añadía alguna escena o algún detalle, pero siempre sentía que todavía no era su momento y que necesitaba dedicarle una inmersión completa. La oportunidad llegó cuando pude coger unos meses de excedencia en el trabajo, coincidió con esa fecha de entrega y sentí que por fin todos los planetas se alineaban. Se la propuse a mi editora, le gustó la idea y así fue como la historia encontró, por fin, su momento.

WN: Wes y Elise son dos polos opuestos, o eso creen porque, detrás de esta contrariedad de personalidades, ambos forjan un hilo de unión. ¿Cómo trazarías tú sus mapas individuales?

AB: Lo que más me gusta de ellos es que funcionan como un espejo, pero a la inversa. Los dos están marcados por la pérdida: él por la de su hermano, que era su alma gemela, y ella por la de su madre, que era su apoyo. Sin embargo, afrontan el duelo de maneras muy distintas: él tiene muchas dificultades para aceptar lo que ha pasado, mientras que ella ha aprendido a convivir con la pérdida y a vivir desde la forma en la que su madre le enseñó. Me interesaba mucho ese contraste porque, aunque él aparentemente lo tiene todo —familia, estabilidad y una posición privilegiada—, ella posee una serenidad y una fortaleza interior que él no tiene. Él admira esa capacidad de ella para salir adelante y aceptarse, mientras que ella admira su lucha constante y la persona que sabe que puede llegar a ser. Creo que precisamente esa diferencia es lo que los conecta.

WN: ¿Es entonces ese espejo que mencionas lo que les une realmente?

AB: Creo que entre ellos hay una atracción instantánea que no saben explicar. Puede tener ese punto de conexión inmediata que a veces encontramos en una persona, aunque normalmente no sea algo que me interese especialmente en las historias románticas. En su caso, creo que funciona porque ambos se encuentran en un momento concreto: ella está en una etapa de apertura y plenitud al llegar a una nueva ciudad, y él está perdido, sin saber muy bien quién es. Esa primera noche es importante porque él se muestra ante ella sin todas las capas que lleva asociadas a su vida y a quién es, simplemente siendo él mismo. Todo lo que construyen después nace de esa conexión inicial y de esa versión más auténtica que descubren el uno del otro.

WN: Aunque la conexión entre ellos está ahí desde el principio, la vida los lleva por diferentes caminos. ¿Qué buscabas explorar a través de esos encuentros y desencuentros a lo largo del tiempo?

AB: Quería explorar cómo las personas evolucionamos y cómo esos cambios afectan a nuestros vínculos. A veces coincidimos con alguien en un momento concreto de la vida y encajamos perfectamente, pero en otra etapa quizá esa conexión ya no es la misma, aunque siga existiendo cariño o una buena relación. Me interesaba mostrar cómo ellos van creciendo, cómo se encuentran, se acercan y también se separan porque su evolución no es lineal. Ambos cambian, incorporan experiencias y se vuelven más vulnerables en algunos aspectos, y quería reflejar cómo vamos moldeándonos con el tiempo y cómo eso transforma la manera en la que conectamos con los demás.

WN: ¿Cuál fue el mayor reto a la hora de dar forma y vida a su evolución emocional? Una evolución donde debe notarse madurez y crecimiento.

AB: El mayor reto, más allá del tiempo que tenía para escribir, fue controlar todo lo que ocurría durante los saltos temporales de la novela. Necesitaba tener muy claro en qué punto estaban ellos en cada momento a nivel personal, familiar y profesional porque, aunque esos años no se cuentan, tienen que sentirse en la historia; era importante saber qué experiencias habían vivido, qué decisiones habían tomado y cómo esas circunstancias los habían transformado.

En el caso de ella, cómo había evolucionado su vida personal, profesional y su relación con su familia; y en el de él, cómo ciertas responsabilidades y decisiones lo habían llevado a una situación que no era la que quería. Era un trabajo invisible, pero fundamental para que la evolución de los personajes tuviera sentido.

WN: ¿Crees que hay personas destinadas a encontrarse siempre o somos nosotros quienes construimos nuestro propio destino?

AB: Creo que las casualidades existen, pero también creo que nosotros tenemos mucho que ver en lo que ocurre después. Puede haber una coincidencia que nos lleve a encontrarnos con alguien, pero son nuestras pequeñas decisiones, conscientes o no, las que terminan dando forma a esa casualidad. Me interesa mucho esa idea de las sincronías de Carl Jung, de que hay momentos que parecen ocurrir cuando tienen que ocurrir. En la historia, aunque los encuentros entre ellos parten de la casualidad, también hay una elección por ambas partes de acercarse y de exponerse a lo que puede pasar. Al final, las casualidades pueden abrir una puerta, pero son nuestras elecciones las que deciden qué hacemos con ella.

 

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WN: A menudo escuchamos esa famosa frase de “persona correcta, momento equivocado”. ¿Compartes este pensamiento o piensas que el momento adecuado también se construye?

AB: Pueden ser las dos cosas. Hay momentos en los que realmente no es el momento, sobre todo cuando somos jóvenes y estamos construyendo nuestra identidad, nuestra vida personal y profesional. A veces una relación puede hacer que dejemos de lado una parte importante de nosotros mismos, y eso puede acabar pasando factura. Pero también creo que, cuando una historia con una persona se repite una y otra vez, llega un punto en el que hay que tomar decisiones y poner de nuestra parte para que pueda funcionar. Las circunstancias importan, pero también importa cómo elegimos construir a partir de ellas.

WN: Siempre me gusta dar espacio a los personajes secundarios: en este caso, a Sam, Evie, Laurie, Mark… ¿Qué peso tienen ellos no tanto en la historia, sino más bien en el camino de Wes y Elise?

AB: Creo que los personajes secundarios son una herramienta maravillosa para quienes escribimos, porque no solo sirven para mover la trama, sino también para mostrar los pensamientos de los protagonistas, generar conversaciones y abrir espacios de reflexión tanto para los personajes como para quienes leen. En esta novela, personajes como Sam, Mark y Luke cumplen sobre todo esa función de apoyo y de diálogo, mientras que otros, como Lori o los hermanos de Wes, tienen un papel más enfocado a la acción, a provocar situaciones y obligar a los protagonistas a tomar decisiones. Para mí, todos ellos son importantes porque ayudan a construir la historia desde diferentes lugares.

WN: El verano también tiene un fuerte protagonismo en la novela, casi como si fuera un personaje más. Marca ese inicio, el comienzo de todo. ¿Por qué esta estación?

AB: Aunque la novela tenía que ser de verano, la realidad es que esa estación ya estaba en la esencia de la historia porque todo nace de esa primera noche: un festival, la playa, la música, las luces y esa sensación de libertad que asociamos al verano. Más allá de cuestiones editoriales, quería que la atmósfera acompañara la trama, como ocurre con las novelas estacionales. Si ‘La luz de todos nuestros otoños’ tenía un tono más nostálgico y de regreso a casa, con esta novela quería transmitir esa energía más ligera, de descubrimiento y de romper con lo que creemos que será nuestra vida. Quería que esa sensación de libertad y de posibilidad impregnara toda la historia, no solo a través de la ambientación, sino también del mundo interior de los personajes.

WN: ¿El verano nos hace ser más libres?

AB: Durante mucho tiempo pensé que el verano era simplemente una estación más, pero con los años he visto que tiene una energía diferente. Cuando llega la vida adulta, y especialmente con niños pequeños, se percibe mucho esa ruptura con la rutina: cambian los horarios, las oficinas, hay más viajes, reencuentros y una sensación general de movimiento distinto. Creo que, en determinadas circunstancias, el verano aporta una flexibilidad que no tienen otras épocas del año. También soy consciente de que no todo el mundo vive el verano igual y de que puede ser una época complicada para muchas personas, especialmente por las condiciones actuales y las desigualdades. Pero desde una situación de privilegio, pudiendo disfrutar de vacaciones, ocio o descanso, sí creo que tiene ese punto de libertad y de cambio que lo hace especial.

WN: Si pudieras destacar una sola emoción del libro, ¿qué te gustaría que sintieran tus lectoras al descubrir lo que esconde ‘El verano que fuimos libres’?

AB: Me gustaría que mis novelas, además de entretener, dejaran un espacio para la reflexión. Mi objetivo principal es que quien lea disfrute, se evada y pase un buen rato, pero creo que la ficción también puede ser una herramienta muy poderosa para hacernos preguntas, emocionarnos y mirar ciertas cosas desde otra perspectiva. A través de mis personajes intento plantear temas que inviten a pensar: como ocurre en esta novela con alguien que aparentemente lo tiene todo pero que, por dentro, está completamente roto y atrapado por sus propias circunstancias. Si además de disfrutar de la historia el lector se queda con alguna reflexión o algo que le haya tocado por dentro, para mí es un valor añadido.

 

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WN: ¿Qué has aprendido tú escribiendo esta historia?

AB: Esta novela me ha ayudado a reflexionar mucho sobre la seguridad, especialmente sobre la diferencia entre la seguridad que tenemos y la que percibimos. He aprendido que no siempre está relacionada con el privilegio económico, sino también con sentirse acompañado y cuidado a nivel emocional. Un personaje puede no tener estabilidad material, pero sentirse a salvo porque ha contado con alguien que le ha dado ese apoyo. Me ha hecho pensar mucho en cómo la seguridad que construimos durante la infancia puede acompañarnos toda la vida, o cómo la ausencia de ella puede marcar nuestra forma de enfrentarnos al mundo.

WN: Para terminar, ¿recuerdas un verano en el que tuvieras la misma sensación de libertad que Wes y Elise?

AB: Guardo mucho cariño a los últimos veranos del instituto, porque los recuerdo como una época de mucha libertad, cuando las preocupaciones eran mucho más sencillas. Después llegó la etapa de trabajar y las responsabilidades cambiaron, así que esos veranos previos tienen un valor especial para mí. Ya de adulta, recuerdo especialmente un verano de 2017, cuando vivía en Alemania y tenía previsto irme después a Francia, pero los planes cambiaron y acabé pasando esos meses en Alicante. Fue un verano inesperado, sin trabajo y en un momento de transición, además de coincidir con la publicación de ‘Pregúntame si me importas’, y lo disfruté muchísimo.

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Crecer entre la pasión por las letras de una madre profesora y el vaivén creativo del estudio de producción de su padre convirtió la música en una misión inevitable para Julia Debis. Desde sus primeras composiciones en cuadernos hasta su consolidación en la escena musical, la artista canaria ha sabido transformar la honestidad y la emoción en su principal sello distintivo, combinando una sonoridad orgánica y acústica con historias profundamente personales en las que resulta imposible no verse reflejado.

Hoy, la cantautora da un paso decisivo en su carrera con el lanzamiento de su nuevo EP, ‘La Memoria’: un trabajo conceptual que nace como un refugio frente al paso del tiempo y una vía para sanar a través de las canciones.

Charlamos con Julia Debis

Why Not Magazine: Echemos la vista atrás. Naces en un hogar con una madre filóloga y un padre músico. ¿Cómo crees que ha influido este «combo» familiar en tu música?

Julia Debis: Al final, todo suma. Mi madre, como profesora de Lengua y Literatura, fue quien me enseñó a leer y escribir, despertando mi pasión por las letras. Por otro lado, al ser mi padre músico y productor, pasé gran parte de mi infancia en su estudio, lo que dejó una huella inevitable en mi inconsciente. Ellos plantaron esa semilla en mí y yo simplemente me encargué de regarla para que floreciera.

WN: Como dices, pasaste tu infancia en el estudio de música de tu padre en La Palma. ¿Qué recuerdo específico de ese espacio se te quedó muy grabado y te hizo decir: «Yo quiero hacer esto el resto de mi vida»?

JD: Estaba tan integrado en mi día a día que nunca me planteé conscientemente “quiero dedicarme a esto”. Crecí sintiendo que era mi misión. Recuerdo pasar horas en el estudio dibujando mientras escuchaba música sin parar; de hecho, creo que aprendí a diferenciar los instrumentos antes que los animales. El otro día volví a ver esos dibujos llenos de guitarras, pianos y mesas de mezclas, y me di cuenta de lo profundamente presente que sigue estando esa infancia en la mesa de mi padre dentro de mi cabeza.

WN: Con solo 12 años ya componías, tocabas de forma autodidacta y te subías a los escenarios. Al mirar atrás, ¿qué le dirías hoy a esa Julia de 12 años que empezaba a compartir su mundo con una guitarra?

JD: Si pudiera hablar con mi yo de la infancia, esa que guardaba sus primeras composiciones en diarios y libretas, le diría que no está equivocada. Aunque sea un camino difícil, arriesgado y lleno de gente diciéndole que no tiene salida, le diría que los demás también se equivocan y que, cuando sientes ese gusanito por dentro, sabes que no hay nada en el mundo que te vaya a hacer más feliz.

WN: A los 18 dejas las islas para estudiar Musicología en Madrid. Desde entonces, tu carrera comenzó a despegar. ¿Cómo cambió tu perspectiva de la música al pasar de publicar tus ‘covers’ en redes sociales a trabajar de una manera más profesional?

JD: Mi vida ha cambiado radicalmente. Aunque llevo unos años sacando música, siento que apenas estoy desplegando las alas y buscando mi lugar. Para mí, sigue siendo surrealista que lo que durante toda la vida creé en mi habitación hoy esté en todas las plataformas al alcance de cualquiera, y no quiero perder nunca esa capacidad de asombro. Sé que aún me queda muchísimo por hacer y aprender.

Julia Debis presenta su nuevo EP, ‘La Memoria’ | Fotografía: Cedida por M2 Music Group

WN: Llegando al presente, tu nuevo EP de 6 canciones es, en realidad, tu primer álbum. ¿Por qué elegir ‘La Memoria’ como el concepto paraguas para este debut?

JD: Este año, al acercarme a los 26, me he replanteado muchas cosas, desde el futuro —como el deseo de ser madre algún día— hasta miedos muy profundos, como el temor a olvidarme de los míos o los consejos de mi madre. Me he dado cuenta de que tiendo a borrar de mi mente los momentos más difíciles y que muchas veces actúo en piloto automático sin recordar cómo tomé ciertas decisiones. Por eso, he querido dejar constancia de todo lo vivido y sentido en mis canciones para asegurarme de que no se me vuelva a olvidar jamás.

WN: ¿Es este proyecto más un ejercicio de nostalgia o una forma de cerrar etapas a través de esa memoria que a veces se presenta escurridiza?

JD: Creo que al final son ambas cosas: no es que elija olvidar de forma selectiva, sino que el corazón tiene su propia memoria. Por eso decidí llamar así al EP: aunque suena nostálgico, en realidad es mi forma de sanar y seguir adelante. De hecho, aunque a través de mis canciones pueda parecer que siempre estoy triste, la verdad es que me siento muy feliz, y solo comparto esa parte de mí con la esperanza de que también le pueda servir de ayuda a alguien más.

WN: Las 6 canciones, como ‘Las Naranjas’, ‘Dinosaurios’ o ‘No Se Toca Ese Botón’, funcionan como un viaje entre la nostalgia y la esperanza. ¿Fue difícil seleccionar solo estos temas o siempre tuviste claro que eran estas las que representaban el significado de ‘La Memoria’?

JD: Lo tenía clarísimo. Desde que empecé a lanzar música en 2022, intenté construir un disco de doce temas, pero acumulé cientos de canciones que acabé descartando a medida que evolucionaba y encontraba mi sonido. Tras autoexigirme tanto y darme cuenta de que ya no conectaba con lo anterior, me prometí no procrastinar más y decidí que los temas que compusiera a partir de junio formarían el EP. Al final, como hablo de vivencias reales, casi sin buscarlo encontré de forma natural un concepto y una línea que lo unificaba todo.

WN: ¿Te da miedo abrirte tanto a través de la composición de tus temas?

JD: La verdad es que no, porque siento que es lo que llevo haciendo desde el principio y nadie me ha juzgado por mis historias; al contrario, la gente ha empatizado y llevado esas canciones a su propio terreno, sobre todo quienes me conocen y saben de primera mano lo que he vivido. Más que ponerme en una posición vulnerable, he transformado esa exposición en algo positivo porque son vivencias con las que cualquiera se puede sentir identificado.

WN: Defines tu música como pop con toques de rock, pero siempre con una base de balada. ¿Cómo describirías la identidad sonora que finalmente has logrado en este trabajo?

JD: Continúo haciendo música orgánica y acústica porque es así como nacen todas mis canciones, desde la guitarra y la voz. Mi única finalidad es mantener esa honestidad en la que creo, convencida de que siempre habrá un público dispuesto a conectar con este género y con mi forma de sentir.

WN: ¿Has tenido algún referente musical a la hora de componer y producir este EP?

JD: Escucho una variedad enorme de música e intento plasmar esas referencias buscando una sonoridad propia que no suene idéntica a nadie. Me atrae desde el rock argentino hasta artistas como Camilo, Marina Reche o Joaquina, pero más que influencias directas, me han ayudado a ubicar un sonido similar al mío que antes no lograba definir. Saber que hoy en día hay un espacio donde este género funciona me da la esperanza de que, tarde o temprano, mi música también pueda encontrar su lugar.

WN: ¿Qué te gustaría que alguien pensara y sintiera al escuchar ‘La Memoria’?

JD: Me gustaría que piensen que no están solos y que ser una persona entregada no tiene nada de malo. Durante mucho tiempo me culpabilicé por darlo todo, por quedarme hasta el final y luchar, aunque no me quedara nada dentro, sintiendo que era un defecto. Sin embargo, me he dado cuenta de que también es una gran virtud, y espero que la gente que pase por lo mismo aprenda a ver en esos supuestos defectos la parte que los hace especiales.

WN: Vienes de hacer dos ‘sold out’ consecutivos en la mítica Sala Búho Real de Madrid, y ahora preparas la presentación del EP. ¿Qué sorpresas o qué formato de directo estás trabajando para acercar este álbum a tu público?

JD: Estoy súper emocionada porque, desde aquellos dos ‘sold-outs’, no he vuelto a tocar en Madrid, y este año al fin presentaré ‘La Memoria’ en una sala que me encanta, con lugar y fecha a punto de anunciarse. Además, haremos una pequeña gira por la península y Canarias. Hemos preparado sorpresas y me he enfocado en trasladar exactamente al escenario toda la esencia del EP y su concepto visual, para que la experiencia en directo sea tal cual como suena en las plataformas.

WN: Has compartido cartel con artistas tan diversos como Amaral, Jorge Drexler o Nicky Jam. ¿Qué aprendizaje te llevas de conciertos tan grandes que apliques ahora a tus propios shows y a tu música?

JD: Al final se trata de gente a la que he admirado toda mi vida, como Jorge Drexler, que es una de mis mayores influencias. Compartir cartel con él o con referentes como Amaral, Nicky Jam o Elena Rose me hace sentir que todo a lo que aspire puede ser posible. Es un auténtico sueño y una oportunidad de aprendizaje increíble, aunque a veces me cuesta creérmelo.

Julia Debis destaca dentro de la esfera de artistas canarios emergentes | Fotografía: Cedida por M2 Music Group

WN: ¿Y hacia dónde camina ahora Julia Debis? ¿Estás trabajando en más proyectos o estás enfocada en presentar primero este EP?

JD: Camino hacia un lugar muy lejano, sin prisa, pero con paso firme. Tras el lanzamiento del EP no pienso frenar: antes sentía la necesidad de contar con el respaldo de una discográfica o de que otros confiaran en mí, pero hoy sé que soy mi propio motor. Aunque estoy rodeada de gente maravillosa que me apoya, la responsabilidad de remar es mía, así que se viene muchísimo trabajo y, sobre todo, mucha más música.

WN: Para acabar, si ‘La Memoria’ fuera un reflejo de todos tus recuerdos, ¿qué te gustaría que se quedara grabado en la memoria de los demás respecto a tu música?

JD: Me gustaría que se quedara la imagen de ‘Las Naranjas’, que al final representa mi origen, mi casa y ese árbol que ha crecido toda la vida en el jardín junto a mi familia. También la de esa playa de arena negra de la que habla la canción. Todo eso no es solo el principio, sino lo que soy en cada una de mis versiones, y esa es la esencia con la que me gustaría que la gente se conectara.

Imagen destacada: Cedida por M2 Music Group

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Hay nombres que quedan impresos en la memoria colectiva como el eco de un verano eterno. XRIZ pertenece a ese grupo de artistas que, además de habitar la cima del pop urbano y del electrolatino en nuestro país, han ayudado a cimentar la banda sonora de toda una generación. Sin embargo, lejos de acomodarse en la calidez de la nostalgia y del pasado, el canario ha sabido habitar su propia metamorfosis, abrazando una madurez artística que sustituye la urgencia del éxito efímero por la certeza de quien conoce bien su oficio y la lealtad de sus canciones.

Su nueva propuesta musical, encabezada por lanzamientos como ‘NANANA’ junto a Fuego o ‘Tu Calor’, rescata ese pulso rítmico y romántico que lo definió en sus orígenes, pero revitalizado bajo la frescura de un sonido actual. En un mercado saturado de fórmulas repetitivas, XRIZ regresa para recordarnos el valor de la identidad, demostrando que se puede evolucionar sin perder su esencia.

Charlamos con XRIZ

Why Not Magazine: Se suele decir que el verano no queda inaugurado hasta que hay un ‘hit’ musical que lo avale. Por segunda vez, te unes a Fuego para presentar una candidata a ello: ‘NANANA’. ¿Cómo surge este reencuentro?

XRIZ: Tras un viaje a Noruega en enero, decidí retomar mis orígenes y volver al sonido electrolatino que la gente me llevaba pidiendo años, pero modernizándolo bajo un nuevo concepto de “merenguetón” que vi que estaba funcionando. Empecé a probar cosas, saqué varios temas para TikTok que tuvieron una acogida increíble y, para no perder el impulso, busqué una colaboración con Fuego para el tema ‘NANANA’, convencido de que su voz le daría un toque único.

La grabamos entre un hotel y el estudio, guardándola estratégicamente para el momento adecuado. No me cabe duda de que tiene todo el potencial para convertirse en un verdadero pelotazo.

WN: Fuego tiene una trayectoria muy reconocible dentro de la música latina, como tú en la esfera urbana. Después de tantos años desde ‘Métele suave’, ¿qué crees que habéis aportado cada uno para que la canción tenga personalidad propia en el punto vital y musical en el que os encontráis ahora?

XRIZ: Siento que ahora la música peca de repetitiva y la gente busca esa nostalgia de las canciones que nos hacían sentir algo distinto en el pasado. Aquí fue donde vi la oportunidad perfecta para demostrar que seguimos aquí, no como artistas emergentes, sino como «resurgentes» que volvemos a dar la cara. Con este proyecto, Fuego y yo queríamos ofrecer justamente eso: un sonido que te transporte directamente a la época en la que te criaste, pero con un toque fresco y renovado que te permita revivir esos recuerdos desde la persona que eres hoy.

WN: ¿Por qué la nostalgia siempre está ahí?

XRIZ: Por la saturación: la industria está completamente saturada. Antes éramos muy pocos haciendo música, pero ahora hay una masificación enorme de artistas sacando lo mismo. La gente se ha cansado de escuchar copias de melodías e identidades que ya pegaron, o referencias y ‘samples’ constantes a canciones antiguas. Al salir cientos de miles de temas cada viernes cortados por el mismo patrón, hemos dejado de sentir esa conexión especial con la música, sin margen para que las propuestas diferentes puedan destacar.

WN: ‘NANANA’ tiene un mensaje bastante claro: hay veces que quererse a uno mismo significa saber decir «no». ¿Era importante para vosotros que ese fuera el mensaje?

XRIZ: Esta canción la empecé a componer en mi casa buscando conectar con vivencias universales como el despecho o el amor. En concreto, habla de esa situación por la que todos hemos pasado: cuando alguien te deja porque “ya no es lo mismo”, pero vuelve a buscarte justo cuando estás logrando superarlo. El mensaje es directo y claro: “déjame en paz que ya estoy bien”. Si las cosas no salieron la primera vez, no siempre hay por qué dar segundas oportunidades, habiendo tanta gente nueva por conocer.

XRIZ y Fuego | Fotografía: Cedida por su equipo de management

WN: Hay un verso que me llamó la atención: «No me mandes DM, que no voy a leerlo». ¿Las redes han cambiado también la forma en la que vivimos las rupturas y, en general, el amor?

XRIZ: Las redes sociales son un arma de doble filo. Nacieron para conectar y compartir buena energía, pero hoy se han convertido en un Tinder global que ha vuelto las relaciones efímeras. Tener acceso inmediato a cualquiera a través del móvil hace que la gente no valore el proceso de construir algo desde cero; al mínimo momento en que pasa la novedad inicial y deja de sentirse ese mariposeo, en lugar de madurar el vínculo, resulta demasiado fácil buscar una nueva ilusión a golpe de pantalla. Los cambios de pareja son más rápidos que los de un partido de fútbol.

WN: Precisamente, es este punto romántico que, desde siempre, ha estado presente en la composición de tus temas. ¿Crees que este sigue siendo tu sello de identidad?

XRIZ: Cien por cien. Siempre me he considerado un artista versátil y camaleónico que evoluciona según la música que consume. Aunque empecé con 16 años haciendo baladas al piano y he pasado por el reguetón, el R&B o el vallenato, fue la época dorada de Juan Magán la que me llevó a probar con el electrolatino y lanzar éxitos como ‘Me enamoré’.

Aunque he tocado casi todos los géneros manteniendo siempre mi propia esencia sin copiar a nadie, sé que el público me identifica rápidamente con esos ritmos rápidos y románticos; tener un sello tan reconocible hace que cualquiera que escuche mis canciones sepa de inmediato que soy yo.

WN: A principios de junio, también veía la luz ‘Tu Calor’, un tema que nació prácticamente delante de tus seguidores en un directo de TikTok. ¿Qué supuso compartir un proceso creativo tan íntimo con ellos?

XRIZ: Me encanta crear cosas desde cero con ellos en lugar de solo cantar mis temas. Para ‘Tu Calor’, puse un instrumental y fuimos componiendo la letra juntos, sumando sus ideas porque, al final, hago música para que ellos conecten; de hecho, aunque llevaba diez años negándome a volver al estilo de ‘Me enamoré’ u ‘Oye niña’ por no mirar atrás, escuché lo que me pedían y así surgió ‘Tu calor’. Logramos fusionar esa vibra electrónica y latina a un tempo alto con un toque romántico y veraniego, dando como resultado un sonido totalmente fresco con el que la gente se pueda sentir identificada.

WN: ‘NANANA’, ‘Tu Calor’, ‘MI NIÑA BONITA’, ‘Mi chula’… ¿Todo estos lanzamientos forman parte de un proyecto más grande?

XRIZ: Por ahora no. Mi único objetivo ahora es sacar música, darla a conocer y demostrar que sigo aquí haciendo temas para bailar y emocionar. Aunque estoy superagradecido por los éxitos del pasado que 11 años después la gente sigue recordando, prefiero centrarme en mostrar lo nuevo para construir algo bonito desde el presente. Si más adelante llega el momento de unificar todas estas canciones en un disco, como ya hice en su día con ‘Adicción’, bienvenido sea, pero hoy lo importante es que el mundo disfrute de mi música sin presiones.

WN: Me da la sensación de que haces música pensando menos en la presión de los números y más en disfrutar del proceso. ¿Dirías que te encuentras en una etapa más libre?

XRIZ: He vivido mucho tiempo obsesionado con esa presión de hacer canciones para que triunfaran en TikTok o en las listas, impulsado por el miedo a perder mi carrera, que es mi vida entera desde los 16 años. Gracias a mi mánager Alejandro, logré soltar los traumas del pasado con la industria y centrarme simplemente en disfrutar del proceso y confiar en mi talento.

Aunque a veces da rabia que proyectos con tanto cariño no tengan un alcance masivo de inmediato, ver que temas como ‘MI NIÑA BONITA’ suman cientos de miles de reproducciones y que quienes los escuchan lo hacen en bucle me demuestra que la música gusta. Sé que no se puede forzar al público y confío en que, tarde o temprano, llegará ese momento en que una chispa lo cambie todo y vuelva a sonar en todos lados.

WN: Como canario, ¿cómo estás viviendo esa oleada de artistas como Quevedo, Lucho RK o Ptazeta que están surgiendo de las islas?

XRIZ: En Canarias siempre ha habido un talento enorme y siento que el trabajo que hicimos otros artistas en nuestra época fue clave para abrir camino y poner la mirada de la industria en las islas. Ese movimiento inicial ayudó a sembrar el terreno para las generaciones posteriores y para el éxito de artistas actuales como Quevedo, Dasoul o Maikel Delacalle.

Aunque Canarias tiene una proyección increíble, aún queda un camino largo por recorrer en cultura general, porque hay mucha gente que todavía ni siquiera sabe ubicar correctamente las ocho islas en el mapa.

 

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WN: ¿Te gustaría colaborar con alguno de estos artistas o incluso dar un lugar en tu música a artistas canarios emergentes?

XRIZ: Tengo muy buena relación con compañeros como Dasoul o Maikel Delacalle y me encantaría colaborar con ellos, o con Lucho RK o Quevedo porque sé que tengo muchísimo que aportarles a todos. Sin embargo, entiendo que la industria se mueve mucho por números y oyentes, lo que a veces limita las colaboraciones si no ven un beneficio inmediato o piensan que estás parado porque no siguen tu día a día.

Aun así, creo que no hay que forzar nada: cada uno está concentrado luchando por su propio proyecto y estoy convencido de que, a base de seguir trabajando y moviéndome, las cosas se irán dando de forma natural cuando llegue el momento adecuado.

WN: Después de una carrera musical tan larga, ¿cuál es tu motivación para seguir creando?

XRIZ: Al comparar lo que hacía hace 15 años con lo de hoy, veo cómo he crecido en letras, melodías y ‘flow’, capaz de adaptarme a lo que me echen, como un dembow que improvisé ayer mismo con unos colegas solo para demostrar que “le meto” a todo. Esa es mi verdadera motivación: versatilidad y pasión por superarme, sin obsesionarme por la dictadura de las métricas ni por competir contra una industria que a menudo infla los números con billetes. Al final, tener 100.000 oyentes reales equivale a llenar dos o tres veces el Movistar Arena de Madrid, y aprender a valorar eso me da la tranquilidad de saber que todo lo demás llegará a su debido tiempo.

WN: Y para terminar, si alguien descubre hoy a XRIZ por ‘NANANA’, ¿qué canción le dirías que escuche después para entender realmente quién eres como artista?

XRIZ: Invito a cualquiera a escucharse mis listas en Spotify porque no me definiría por una sola canción, sino por un concepto de sonido y de vibra. Tengo de todo —afro, reggaetón, baladas, pop, dancehall, bachata— y, en un repertorio de más de cuarenta temas lanzados solo desde 2020, estoy seguro de que encontrarán algún estilo con el que conectar de verdad.

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Nacho Nacif presenta ‘VIVO’, su primer EP tras dos años de trabajo. Un proyecto que marca un antes y un después en su carrera y que funciona como carta de presentación personal y artística. Con un enfoque conceptual y cinco canciones conectadas entre sí, el artista construye un relato íntimo en el que aborda temas como la familia, el amor, la música y el amor propio.

En la entrevista, repasa cómo fue el proceso creativo —más orgánico que planificado—, la importancia de su entorno cercano en la toma de decisiones y su manera de entender la música como un espacio de conexión con el público. Todo ello con una idea clara que resume su momento actual: “Hacer lo que quieres hacer ya es un éxito”. Si quieres ver toda la entrevista, ¡dale al play!

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Hay novelas que avanzan hacia el pasado para entender el presente. En ‘La verja roja’, Estrella Alonso acompaña a Begoña, una joven que llega a Madrid convencida de que está inaugurando una etapa nueva, pero que pronto descubre que ninguna vida comienza realmente desde cero. Entre silencios, recuerdos fragmentados y preguntas que nadie parece dispuesto a responder, emprende una búsqueda que la llevará mucho más lejos de lo que imaginaba: hasta los pliegues ocultos de su propia historia.

Con una escritura llena de sensibilidad y una mirada que entrelaza lo íntimo con lo colectivo, la actriz y escritora explora cómo las experiencias de generaciones anteriores siguen resonando en quienes vienen después. La memoria, la construcción de la identidad y la necesidad de encontrar una voz propia atraviesan una trama que dialoga con la historia de España sin renunciar a la emoción.

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Entrevista a Estrella Alonso

Why Not Magazine: El 11 de marzo aterrizabas en librerías con ‘La verja roja’, tu primera novela. ¿Cómo has vivido y estás viviendo las primeras veces de publicar un libro?

Estrella Alonso: Hay una parte muy emocionante y divertida, llena de curiosidad, y al mismo tiempo una que no puede dejar de sentir ese famoso síndrome del impostor. También es muy impactante ver que algo que escribiste en un verano, por las mañanas, antes de ir a trabajar, ahora ya es del mundo. Pero, en general, está siendo emocionante.

WN: En realidad, esa faceta literaria siempre ha estado ahí, acompañada por tu colaboración con editoriales y agencias y por el teatro, tu otra pasión. ¿En qué momento das el paso y te animas a escribir narrativa?

EA: En realidad, esta novela nació como una obra de teatro sobre Eleuterio Sánchez, la Transición y la memoria, tanto familiar como colectiva. Cuando María Fasce, de Lumen, fue a verla, me animó a dar el paso: “Tú eres escritora, tienes que escribir”, recuerdo que me dijo; ella sabía que había una novela en esta historia.

A partir de entonces exploré distintos caminos, estilos y registros hasta encontrar la forma adecuada. Primero escribí una versión que no funcionaba, aunque conservaba la figura de Eleuterio. Después elaboré una escaleta más definida: decidí que estaría narrada en tercera persona, con una protagonista concreta y una compañera de piso.

WN: ¿Qué te ha dado el teatro a la escritura, y viceversa?

EA: Lo que más me interesa del teatro es la oralidad y la acción. Me gusta especialmente escribir obras más evocadoras, a menudo con un solo personaje, porque me permiten explorar la fuerza del lenguaje y, además, adaptarse a las limitaciones de producción que suelen existir fuera de las grandes compañías. En el teatro, hacer mucho con poco es un reto estimulante: me divierte descubrir cómo la palabra puede evocar espacios, experiencias y mundos enteros.

La novela, en cambio, ofrece una libertad absoluta, con un presupuesto ilimitado para mover a los personajes por cualquier lugar, tiempo o situación imaginable. Para mí, se trata de aprovechar las posibilidades poéticas de ambos géneros y encontrar la mejor manera de hacer que funcionen.

WN: De esta simbiosis nace ‘La verja roja’. En él, recorres la libertad de Begoña a la vez que es atada y perseguida por un fantasma y un pasado que pesa. ¿Cómo nace su historia?

EA: Me fijé en la figura de Eleuterio Sánchez después de conocerla a través de un documental de Carlos Moro. Más allá de sus aventuras, de su resiliencia y de su negativa a rendirse, lo que realmente me llamó la atención de él fue esa diferencia entre Eleuterio Sánchez, la persona real, y El Lute, el personaje construido por la prensa y la policía. Esa distinción me llevó a reflexionar sobre cómo construimos imágenes de los demás y cómo esas narrativas terminan sustituyendo a las personas reales. Es algo que ocurre con las figuras públicas, pero también en el ámbito más íntimo.

En el libro, Begoña va descubriendo poco a poco quiénes fueron realmente su abuelo y su madre, y comprende que, igual que ocurrió con El Lute, los recuerdos y las versiones que conservamos de quienes nos rodean son a menudo construcciones e invenciones que transforman a las personas en personajes.

WN: Begoña es un personaje muy poliédrico: tiene su fachada, pero al escarbar, descubres su verdadera personalidad. Es complejo, pero ¿qué mapa emocional trazarías de ella?

EA: Para mí, Begoña comienza la historia dominada por el miedo. Es una joven de 18 años, muy retraída, que intenta pasar desapercibida y que, a diferencia de su compañera de piso, Rita, evita llamar la atención. Poco a poco comprende que arrastra demasiados vacíos e incógnitas sobre su pasado y su familia, y que solo enfrentándose a esas preguntas podrá avanzar realmente y comenzar su propio camino hacia la madurez.

WN: Justo acabas de mencionarla: Rita. ¿Qué le da ella a Begoña?

EA: Rita es el contrapunto de Begoña. Aunque no es Madrid, llega a la ciudad convencida de que viene de “la capital del mundo” y con unas enormes ganas de comerse la vida. Detrás de esa actitud hay una realidad familiar más inestable y hostil de lo que parece, pero ella se presenta como alguien sin miedo, o al menos da esa impresión.

En cierto modo, también ha construido un personaje de sí misma, porque a veces las personas reinventamos nuestro pasado e identidad para proyectar una imagen determinada o para encontrar la fuerza necesaria para seguir adelante. Además, su energía resulta fundamental para Begoña, porque la empuja a salir al mundo exterior y le demuestra que dicho mundo no es tan aterrador como ella imaginaba.

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WN: En la novela, mezclas lo íntimo de la protagonista con una mirada más política. ¿Qué buscabas explorar a través de este cruce de enfoques?

EA: El viaje de Begoña guarda un paralelismo con nuestra historia colectiva. Igual que ella no puede empezar a crecer hasta resolver las incógnitas y los vacíos de su pasado, creo que como sociedad también necesitamos afrontar una verdadera labor de memoria histórica: es importante conocer y enseñar ese pasado en toda su complejidad, especialmente algunos aspectos de la Transición que a menudo han quedado simplificados por relatos muy individualistas.

Aunque muchos acuerdos se cerraron en los despachos, aquellos cambios también fueron posibles gracias a la movilización y al impulso de numerosos movimientos sociales que actuaron desde la calle. Tengo la sensación de que es difícil construir una democracia plenamente madura y avanzar como sociedad sin haber realizado antes ese ejercicio de comprensión y memoria compartida.

WN: Hablas de silencios y vacíos que nunca se llenarán. Escribes: “A Begoña no le parece que olvidar sea un acto voluntario”. ¿Hay heridas que siempre permanecerán abiertas?

EA: Que una herida esté abierta no significa que esté infectada, o en mal estado. Creo que mantener una conversación abierta sobre el pasado no significa vivir anclados al dolor; al contrario, significa conservar la memoria y seguir reflexionando sobre lo ocurrido. Por eso me cuesta aceptar la idea de que hablar del pasado sea perjudicial o que el llamado “pacto del olvido” pueda entenderse como una solución real.

Olvidar no es una decisión que pueda tomarse de forma voluntaria y definitiva; la memoria y las experiencias forman parte de nosotros. De hecho, cuando intentamos ignorar algo doloroso sin afrontarlo, ese dolor suele reaparecer de una u otra manera. Recordar y comprender lo vivido es precisamente lo que permite seguir avanzando, tanto a nivel individual como colectivo.

WN: ¿Crees entonces que las nuevas generaciones entendemos y vemos ese pasado histórico de una forma diferente al resto?

EA: Puede ser. A veces me pregunto si estas cuestiones tienen más que ver con la clase social, el capital cultural y el acceso a la información que con una diferencia puramente generacional. Puedes tener 20, 50 o 70 años y, si no has tenido la oportunidad de desarrollar una mirada crítica o de acceder a determinados recursos, es fácil quedarse en discursos simples y tranquilizadores que ofrecen respuestas aparentes.

Cuando no conoces otras perspectivas o cuando ciertos relatos son tan poderosos que terminan absorbiéndolo todo, la experiencia personal o familiar no siempre basta para construir una visión más completa. Además, muchas veces esas historias ni siquiera se transmiten: hay padres, madres o abuelos que no cuentan lo que vivieron, y esos silencios también condicionan la forma en que entendemos el pasado.

 

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WN: ¿La literatura tiene un papel activo en este debate?

EA: Me gusta pensar que cada persona aporta lo que puede con las herramientas que tiene. En mi caso, ha sido escribir esta novela, mientras que otras personas participan a través del activismo, la militancia o simplemente generando conversaciones en distintos espacios. Más allá de contar una historia que resulte bella, emocionante y disfrutable, me interesa que la literatura pueda decir algo sobre el mundo y añadir nuevas capas de significado. Por eso, para mí, esta novela ha sido también un ejercicio de memoria personal. Aunque sea ficción, sus cimientos están en la historia de mi familia y en la figura real de Eleuterio.

WN: Por otro lado, la madre y las abuelas tienen una presencia muy fuerte, aunque a veces marcada por el silencio. ¿Cómo construiste esos personajes desde lo que no se dice?

EA: Cuando empecé a escribir sobre Eleuterio, hablé mucho con mi abuela y con mi tía para intentar reconstruir recuerdos y comprender mejor aquella época. Fue entonces cuando me di cuenta de que, como ocurre en muchas familias, ellas tenían muy presentes ciertas historias y anécdotas que se repiten una y otra vez, pero les interesaban menos las preguntas que yo hacía sobre detalles más íntimos o aspectos menos conocidos. Creo que todas las familias conservan un pequeño repertorio de relatos que terminan definiendo la memoria de una persona, mientras que otras partes de su vida quedan difuminadas o desaparecen.

A veces una intenta indagar más, por curiosidad o por comprender mejor a quienes nos precedieron, pero descubre que hay cosas que no se recuerdan, que nunca se consideraron importantes o que simplemente no se compartieron. Eso es precisamente lo que me interesaba a través de la figura de El Lute: que no todos los vacíos esconden un secreto. En ocasiones, un hueco es simplemente eso, un hueco, y aceptar esa ausencia también forma parte de la memoria.

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WN: Madrid también es un personaje destacado en la historia. ¿Qué representa la ciudad para la protagonista en este momento de autodescubrimiento que atraviesa?

EA: En este momento en el que Begoña empieza a hacerse adulta, su relación con Madrid está muy marcada por su historia personal. Crece en Moratalaz con su padre y su madre, pero tras la muerte de ella, el padre atraviesa un momento muy difícil y acaban marchándose a la sierra, a El Espinar (Segovia). No es una persona que haya vivido el centro de Madrid ni que haya tenido demasiado tiempo para explorar la ciudad, así que su vínculo con ella es más limitado de lo que podría parecer. Aun así, Madrid le resulta una ciudad con una escala intermedia: lo suficientemente grande como para imponer cierto respeto, pero también manejable.

Además, es un espacio muy ligado a la historia familiar y a Eleuterio, por lo que su carácter puede volverse más o menos acogedor en función del momento vital de la protagonista y de lo que la propia historia necesite en cada etapa.

WN: ¿Qué poso de aprendizaje dejas a tus lectores?

EA: A veces buscamos, buscamos y buscamos y no hay nada grandioso como en las películas. Y hay que aprender a vivir con eso.

WN: Y tú, ¿con cuál te quedas?

EA: Hay que saber hacer las preguntas adecuadas y tratar a las personas con la atención y el respeto necesario para contar sus historias. Que puedes hacerlo, puedes contar la historia de quien tú quieras, pero dirigiendo la mirada hacia el respeto, la amabilidad y también hacia la crítica.

WN: Para terminar, ¿qué simboliza para ti la verja roja?

EA: Para mí, la verja funciona como un umbral, como una puerta que separa dos lados. Si está cerrada o no tienes la llave, solo puedes vislumbrar lo que hay al otro lado, ver fragmentos de algo que no terminas de alcanzar. Hasta que no aparece la llave —o hasta que no eres capaz de abrirla tú misma—, ese otro lado permanece incompleto, parcialmente oculto. En ese sentido, el trabajo consiste en intentar encontrar esa llave o en atreverte a abrir esa puerta.

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Imagen destacada: Estrella Alonso – Cedida por Espasa

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Why Not: Lo primero de todo, me gustaría que me dijeras una de tus canciones para presentar tu música a una persona que no te conoce.

María Carrasco: ‘Inmune al dolor’. Cuando se escribió esa canción, estaba pasando por una etapa de mi vida en la que tuve que ser muy fuerte y es así como me considero. Creo que relata muy bien la historia de mi vida. Si me quieres conocer, sería una excelentísima carta de presentación.

WN: Llevas ya mucho tiempo en la música, ¿qué fue lo que te hizo decir «quiero dedicarme esto y no a otra cosa»?

MC: Probarla. Eso es como saber que estás ante el amor de tu vida, lo sabes. En cuanto pisé un escenario, dije: “Me tengo que quedar aquí hasta que me muera” y creo que estoy siguiendo bien el camino.

WN: ¿Qué dirías que te ha enseñado la música en todos estos años?

MC: Creo que me ha enseñado a ser perseverante para conservar y cuidar lo que uno quiere tener y quiere seguir teniendo en su vida. Me ha enseñado que el trabajo siempre da fruto y que la paciencia y la fe son los mejores compañeros junto al trabajo para seguir vivo en esta profesión y seguir a flote. No es nada fácil, sobre todo llegar a mantenerte y ser fuerte para vivir en la montaña rusa y conservar la paciencia y la entereza en los momentos en los que a lo mejor el agua no está tan en calma.

WN: Recientemente has presentado ‘La fiesta de la vida’. ¿Cómo está siendo el recibimiento del disco?

MC: Está siendo una maravilla, una auténtica pasada. En cuanto pusimos las entradas del primer concierto, las agotaron en menos de una hora y media. La gente escribe muchísimos mensajes preguntando dónde estamos; hemos cerrado más de 30 conciertos. Yo no puedo estar más feliz sobre la acogida que le están dando a este disco.

WN: Además, lo presentaste en directo en un concierto. ¿Cómo viviste eso?

MC: Fue algo mágico porque además fue en Jerez de la Frontera, en la tierra que me vio nacer. Dicen que uno no es profeta en su tierra; pues será en otro sitio, porque en la mía, la verdad que es un orgullo poder decir que sí, que conservo las raíces y el orgullo de pertenecer y haber nacido allí.

WN: ¿Y por qué se te ocurrió presentarlo en directo? ¿No te daba un poco de respeto no saber cómo iban a reaccionar?

MC: Creo que no hay que tener miedo cuando uno va a cantar su verdad. Y yo iba a cantar mi verdad en el momento vital en el que me encuentro y la gente lo recibió genial. Yo sabía que iba a ser así porque cuando uno es natural con lo que siente y lo expresa, nunca puede perder.

WN: ¿Qué es lo que más disfrutas al subirte a un escenario?

MC: Ver las caras de la gente. Las caras son un auténtico regalo y cuando los focos me regalan un instante de visibilidad al público, ves las caras de niños, de chavalillos jóvenes que van a ver el concierto, abuelos también, porque además tengo un público supervariopinto. Ver las caras con la canción o cuando piensan que les va a faltar el aire, la verdad que es un regalo.

Cuando termino y hemos terminado bien, o cuando suena la canción que les gusta o que sé que les ha llenado porque las caras les cambian, eso es una auténtica pasada. Disfruto mucho de todas las emociones que me genera y el público para mí es el factor principal por el que se hace un concierto.

WN: Volviendo al disco, después de muchos proyectos, ¿qué dirías que diferencia a este de los anteriores?

MC: La luminosidad con la que veo la vida a raíz de que me hayan pasado cosas malas, la vuelta de hoja que le he podido dar a mi vida y cómo he podido transformar ese dolor en música en el disco anterior, y cómo ese dolor en aprendizaje y en experiencia que me hace valorar el momento de la vida en el que estoy y sostener el pensamiento de que la vida es un auténtico regalo y una puñetera fiesta.

Yo creo que la música me ha salvado de mí misma muchísimas veces y me ha sabido sacar de momentos quizás menos luminosos y vivir con más intensidad cuando la luz afloraba en todos mis rincones también.

WN: Al ser un disco tan personal, ¿te ha costado escribir sobre experiencias más dolorosas?

MC: Uno o dos temas he tenido que taparme un poco las pupas mientras los he escrito, pero creo que también era necesario reflexionarlos por dentro y sacarlos fuera porque creo que lo que dentro se anuda, afuera tiene que desanudarlo la música.

WN: Cuando haces una canción, ¿esperas que la gente la entienda de una manera determinada o prefieres que cada uno la interprete según sus experiencias?

MC: La música tiene ese don, que cada uno interpreta la letra de la canción por cómo se siente. Yo lo que quiero es que se sientan identificados y que cada uno haga la canción suya y propia. Eso es lo más importante cuando uno escribe música.

WN: ¿Cómo fue el proceso de selección de canciones para el disco? Imagino que algunas se quedaron fuera.

MC: Se hace un cribado conforme a que haya un camino en el disco, un camino bastante claro y que todo tenga cohesión. Yo creo que la vida es todo cohesión y no un batiburrillo de cosas. Tiene que ir todo un poco de la mano. Pero como emocionalmente he tenido muchísimo equilibrio, ha sido muy fácil hacer un cribado y que se quede fuera lo que se tiene que quedar, quizá para otro proyecto.

WN: ¿Cómo te gustaría que se recordara este disco dentro de unos años?

MC: Creo que se va a recordar como algo terapéutico, algo que ayude. Porque este disco está hecho para que valoremos la suerte que tenemos cada día de levantarnos de la cama y seguir vivos, y que sepamos valorar la suerte que tenemos de tener amigos, de tener familia, de tener algo por lo que luchar y por lo que levantarse cada día.

WN: A la hora de hacer esa criba de canciones, ¿cuentas con la opinión de familiares y amigos?

MC: El primer filtro siempre es el mío; luego son mis amigos y mi familia, siempre. Tienen mucho que ver porque me han sostenido en todos los momentos de mi vida.

WN: ¿También tienes en cuenta lo que te dicen tus seguidores?

MC: La principal fuente que te puede iluminar sobre si estás acertando en el camino es la gente que consume tu música, los que están ahí. Hay que hacerles caso siempre.

WN: ¿Qué canción de este disco es la que más disfrutas cuando estás subida al escenario?

MC: ‘La fiesta de la vida’. Me da muchísima energía, muchísima buena vibra y es lo que consigo transmitir porque lo siento así y las caras de la gente son brutales.

WN: ¿Tienes alguna manía antes de subirte a un escenario?

MC: No es tan raro, pero me tengo que subir con los dientes relimpios y tengo que rezar, tengo que tener mis minutos antes de salir.

WN: Antes hablábamos de toda tu trayectoria. Todavía te queda mucho camino por recorrer. ¿Cuáles son tus objetivos tanto a corto como a largo plazo?

MC: No quiero frustrarme con los objetivos porque las cosas que no salen se enquistan. Creo que lo único que le pido a la vida es que me deje seguir haciendo lo que hago, que me dé tiempo en la música y yo con mi esfuerzo iré persiguiendo cosas que vayan surgiendo por el camino. Pero sobre todo que me deje disfrutar de este trabajo tan bonito y encima con la suerte que tengo de que puedo comer de esto. No pido más, me parecería egoísta.

WN: Para terminar, he preparado un minijuego con preguntas relacionadas con títulos de tus canciones. Empezamos con ‘La fiesta de la vida’. ¿Qué significa para ti celebrar la vida?

MC: Para mí, celebrar la vida es mirar a mi sobrina, recordar con una sonrisa a los que no están, tomar café y que te sepa gloria bendita y vivir como sueñas o como soñabas vivir.

WN: ‘Sexto sentido’. ¿Confías mucho en tu intuición?

MC: Muchísimo. De hecho, ese es mi sexto sentido: la intuición, no me cabe duda.

WN: ‘A la que miro en el espejo’. ¿Qué le dirías a tu yo que empezó en la música y soñaba con ser artista?

MC: Que mereció la pena todo el tiempo invertido en los ensayos y en creer en mí misma. Mereció la pena.

WN: ‘Volverás’. ¿Crees en las segundas oportunidades?

MC: No lo tengo claro. No sé qué responder, creo que no.

WN: Y ya como última, ‘La biografía’. ¿Qué título tendría tu vida ahora mismo?

MC: Suerte.

WN: Pues es un título muy bueno. Yo, desde luego, me lo leería. Muchas gracias.

• Entrevista | Blue Jeans: “Vivimos un momento de actualidad muy complicado y los libros deben servir para desconectar”

La entrada Entrevista | María Carrasco: «La música me ha salvado de mí misma muchísimas veces» se publicó primero en Why Not Magazine.

Con su decimonovena novela, Blue Jeans vuelve a adentrarse en el thriller juvenil con ‘Los 15 de Fosbury’, una historia ambientada en una exigente academia deportiva donde quince jóvenes talentos persiguen un mismo objetivo: alcanzar la cima. Entre entrenamientos, rivalidades y una presión constante por destacar, el autor construye un relato marcado por la ambición, los secretos y la tensión psicológica.

Tras el impacto de novelas como ‘La chica invisible’ o ‘El campamento’, ambas adaptadas a la pantalla, el autor reafirma su evolución hacia un suspense cada vez más oscuro. La reapertura de la academia Dick Fosbury, clausurada una década después de la misteriosa muerte de una joven gimnasta, sirve como punto de partida para una trama que mezcla crimen, emociones y conflictos generacionales.

Un escenario donde el pasado vuelve a cobrar vida cuando un nuevo asesinato sacude las instalaciones y convierte la lucha por el éxito en una auténtica carrera contra el miedo.

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Charlamos con Blue Jeans sobre ‘Los 15 de Fosbury’

Why Not Magazine: Antes de dedicarte a tiempo completo a la escritura, ejercías de periodista deportivo. ¿Cómo recuerdas aquellos años?

Blue Jeans: Empecé estudiando Derecho, pero me di cuenta de que no era lo mío. Luego me mudé a Madrid para hacer la carrera de Periodismo y fue algo que me cambió la vida: viví en una residencia de estudiantes e hice un máster de periodismo deportivo. Hice muchas pruebas para entrar en varios medios, pero nunca llegué a ejercer de ello. Siento que tengo una espinita clavada con el deporte porque ser periodista deportivo era mi sueño.

WN: ¿Volverías a dedicarte a ello en algún momento de tu vida, puede que a corto o a largo plazo? ¿Lo echas de menos?

BJ: Si volviese a aquellos años, intentaría hacer las cosas de otra manera. Siempre tendemos a echar la culpa a los demás: en mi caso, siempre pensaba que era culpa de los jefes y de los medios el que yo no ejerciese de periodista, y probablemente también fuera responsabilidad mía. El mundo del libro es muy efímero, puede acabarse y el periodismo está ahí, claro.

WN: ¿Qué crees que te ha dado el periodismo a la escritura?

BJ: Mi estilo, mi forma de escribir: frases cortas y un tono muy directo. Odio repetir una misma palabra en un párrafo, por ejemplo. También la disciplina, esa dinámica de esfuerzo, trabajo y de intentar hacer las cosas bien.

WN: Hablando de escribir, tu decimonovena novela, ‘Los 15 de Fosbury’, está ya en las librerías. Se dice pronto esta cifra de libros, ¿no?

BJ: Sí. Hace 16 años, cuando no sabía qué iba a ser de mí porque no encontraba trabajo como periodista, quién me iba a decir que iba a publicar 19 novelas con Planeta. No todos los autores logran mantenerse en el tiempo porque es una profesión muy complicada y yo tengo la suerte de poder dedicarme a ello. Llegar a este número es motivo de celebración y felicitación y, sobre todo, de dar las gracias a los lectores, a la editorial y a mi entorno por mantenerme donde estoy hoy.

WN: ¿Te continúas ilusionando con cada nuevo lanzamiento?

BJ: Por supuesto, es algo que se me nota siempre; de hecho, intento que se note. También tengo esos nervios del lanzamiento, de qué va a pensar el lector y de cómo va a funcionar el libro. Son 19 novelas, pero siempre lo siento como la primera vez.

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WN: ‘Los 15 de Fosbury’ pone el foco en la Academia Deportiva Dick Fosbury y en esos quince jóvenes que compiten por la excelencia. ¿Cómo nace la idea de esta historia?

BJ: Igual que el año pasado escribí un libro dedicado al mundo de la literatura —‘La última vez que pienso en ti’—, sentía que se lo debía también al deporte, otra de mis pasiones. Tenía claro que no quería alejarme de lo que vengo trabajando con el misterio, pero al mismo tiempo recordando aquel Blue Jeans de ‘Algo tan sencillo’ o de ‘¡Buenos días, princesa!’.

Todo lo he ido construyendo poco a poco. Sabía cómo iban a ser algunos personajes, otros han ido surgiendo conforme iba avanzando la novela y el resultado ha terminado siendo justo lo que quería: una novela juvenil donde el amor y el deporte estuvieran muy presentes y que fuera el lector el que jugase a ser el verdadero detective, como en los últimos libros que he escrito.

WN: ¿Te ha resultado fácil equilibrar esa parte más deportiva con el toque de thriller que está caracterizando últimamente tus novelas?

BJ: Sí, no ha sido lo más complicado. Es más difícil la construcción del misterio, que todo quede creíble y que las piezas vayan encajando, como si fuera un puzle. Son muchos personajes, cinco protagonistas, y todos (incluidos los otros diez) deben tener algún momento de importancia dentro de la novela.

Lo complejo es ver cómo vas enlazando historias, cómo ocultas lo que está pasando, cómo crear pistas falsas, cómo intentar que el lector juegue con la novela… Pero mezclar el romance, el deporte y el misterio ha sido divertido.

WN: ¿Qué te atrae de las novelas corales, esas llenas de personajes? Porque trabajar con quince protagonistas tampoco debe ser algo sencillo.

BJ: A mí me gusta que haya variedad de personajes para que cada lector pueda sentirse identificado con alguno de ellos. En el caso de este libro, son muchos, puedo volver loco al lector, pero cada uno tiene su esencia y trascendencia dentro de la trama. También tienen comportamientos muy contradictorios, que es algo que nos pasa a todos como seres humanos.

WN: Son muchos, pero ¿qué destacarías de ellos en general?

BJ: Tenemos cinco personajes con voz, que son los que llevan el peso de la narrativa. Por un lado, está Grecia, que hace halterofilia, se siente acomplejada por su aspecto físico y es víctima de acoso por redes sociales; de hecho, está inspirada en el caso de la jugadora de waterpolo Paula Leitón.

Izan es escalador y el guaperas, también el influencer del grupo y el que gana más dinero gracias a las redes sociales. Recuerda a la imagen de Alberto Ginés, el campeón olímpico de escalada. Este protagonista se enamora de Nerea, la chica nueva: jugadora de voleibol, recién llegada a la residencia para sustituir a otra compañera que se ha lesionado. La relación entre ellos acaba convirtiéndose en una especie de triángulo amoroso con Alejandra, obsesionada con la esgrima y la única con la que Izan ha mantenido relaciones sexuales hasta el momento.

Y el quinto personaje principal es Marcus Lee, de origen asiático. Es muy disciplinado y eso hace que pase prácticamente todo el día jugando al bádminton. Al entrar en la academia, comenzará a sentir otro tipo de cosas que ya no ponen en el centro de su vida el deporte.

WN: Antes de dar paso a los temas centrales, comenzaste escribiendo historias de amor y es un detalle que continúa presente en tus libros. ¿Por qué no renuncias a él?

BJ: Porque es muy difícil que en la vida real no te encuentres a alguien que no tenga pareja o que no esté enamorado o haya sufrido por amor. En una residencia con 15 chavales, es imposible que no haya algo de amor; no es lo central porque está el deporte, pero también lo hay. Mis libros son historias de actualidad y, si el amor es algo que está presente entre los jóvenes, debo incluirlo.

WN: El pilar fundamental de ‘Los 15 de Fosbury’ son esos deportes minoritarios y el elitismo que los asfixia. ¿Crees que el deporte de élite juvenil puede llegar a ser destructivo?

BJ: Claro que sí, pero también pienso que depende de cómo te lo tomes. Existen límites, aunque cada uno se marca los suyos. En el caso de los deportes minoritarios, la presión se suma a la falta de recursos, de ayudas y de atención por parte de los medios.

La palabra “fracaso” y las críticas a estos deportistas muchas veces llegan de personas que los han visto competir desde el sofá de sus casas sin mover ni una uña, y esto a la larga pasa factura a las personas que se encuentran detrás de las pantallas leyendo comentarios sobre sí mismos cuando no han logrado una medalla en los Juegos Olímpicos o han quedado últimos en una clasificación.

 

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WN: ¿Somos entonces conscientes de la exigencia no solo física, sino también mental que conllevan unos deportes así?

BJ: No, no somos conscientes de nada. Y no lo somos porque tampoco conocemos acerca de ello. Le damos mérito cuando salen cinco minutos en la televisión, pero no sabemos todo el esfuerzo que hay detrás de ello. Muchos de los deportistas que vive en el CAR de Madrid y Barcelona o que se van a estudiar a Estados Unidos para poder entrenar tienen que dejar a su familia aquí, y muchos de ellos son menores de edad.

Cuando he ido conociendo la situación personal y deportiva de muchos de ellos como parte del proceso de documentación para la novela, pensaba: “Madre mía, cómo está esto y qué mérito tienen”. Qué par de narices deben tener para querer continuar apostando por un sueño que en el 98% de los casos no se va a poder cumplir, pero ahí siguen. Y luego vengo yo y, desde mis redes sociales, me atrevo a escribir que vaya fracaso son.

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WN: ¿Con qué te gustaría que se quedaran tus lectores al acabar la novela?

BJ: Está muy bien eso de lanzar un mensaje con las novelas, y en esta lo hay: el valor que tiene hacer un deporte minoritario a nivel competitivo. Pero, sobre todo, pretendo que mis lectores se entretengan y se diviertan. Vivimos un momento de actualidad muy complicado y los libros deben servir para desconectar.

WN: Para terminar, si hoy mismo fueras seleccionado en la Academia Deportiva Dick Fosbury, ¿qué deporte practicarías?

BJ: A mí me gustaría ser un periodista que entra dentro de la Academia para investigar qué es lo que realmente ha sucedido. Más que practicarlo, haría más un periodismo de investigación, y así no me alejo tampoco demasiado de lo que hago ahora.

• Entrevista | Blue Jeans: “Los ‘bookfluencers’ son influencers, pero tienen influencia de verdad”

Imagen destacada: Javier Ocaña – Editorial Planeta

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Hace justo un año que publicaban ‘La balada de Delirio y Equilibrio’, un disco que marcó una etapa muy definida dentro de su trayectoria y que abrió un universo narrativo que han seguido ampliando con cada lanzamiento posterior. En este tiempo han ido llegando canciones como ‘Pide un deseo por mí’, la revisión de ‘Puñalada’ junto a Yarea o ‘Vidas Pasadas’, que han servido para seguir desarrollando ese relato emocional que conecta todas sus piezas.

Ahora presentan ‘Troya’, un tema que no llega solo, sino como continuación directa de ‘Vidas Pasadas’. Con una energía más directa y un sonido que mira a referencias como Sam Fender o The War on Drugs, la canción se mueve entre el miedo a exponerse y la necesidad de entregarse, explorando ese equilibrio entre protegerse o dejarse atravesar completamente.

El lanzamiento también se apoya en una narrativa visual muy cuidada, característica del grupo, conectando ambos temas a través del mito de Orfeo y Eurídice y construyendo un imaginario donde la confianza y la duda conviven constantemente. Además, la banda ha vuelto a demostrar su cercanía con el público con acciones como la aparición sorpresa en el Planetario de Madrid, un guiño directo a la propia letra de la canción que los fans supieron descifrar antes de tiempo y que reforzó la gran conexión que tienen con ellos.

Con este tema, Veintiuno inicia el cierre de esta etapa conceptual, dejando entrever que lo que viene será igual de cuidado, pero diferente. En Why Not Magazine hablamos con ellos sobre este momento, sobre todo lo que han construido hasta ahora y sobre ese futuro que, aunque todavía no pueden desvelar, promete ser muy especial. Porque, como ya nos han adelantado, «nosotros vamos siempre diez pasos por delante». Si no quieres perderte ningún detalle de lo que nos ha contado, ¡dale al play!

Imagen destacada: Veintiuno vía instagram

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