En los últimos años, el pop español está viviendo una metamorfosis constante. Mientras el urbano monopolizaba, las listas de reproducción y los festivales, una nueva generación de bandas ha empezado a recuperar lo de siempre. Vuelve a aparecer el protagonismo de las guitarras, los estribillos para corear al unísono y las canciones que nacen para sonar en un coche con las ventanillas bajadas. 

En esa corriente, desde Bilbao empieza a abrirse paso una propuesta que bebe de referentes como Dani Fernández o Marlon sin renunciar a una identidad propia. Se llaman Rebecca Court y, aunque todavía están escribiendo sus primeras páginas, todo apunta a que conviene seguirles la pista desde ahora. 

Fuente: @1rebeccacourt

¿Quién es Rebecca Court?

Su historia empieza desde lejos, a más de 17.000 kilómetros de casa; en Australia. Allí, un grupo de amigos convertía las tardes en pequeños conciertos improvisados. Una guitarra, un cajón, unas palmas y un repertorio construido a partir de himnos del pop español bastaban para llenar el porche de canciones de Melendi, Estopa o Pereza.

Y cuando regresaron a Bilbao, la llamada ‘depresión post-Australia’ terminó transformándose en la necesidad de crear un proyecto que mantuviera vivo todo aquello que había nacido tan lejos de casa. 

Rebecca Court es la calle australiana donde comenzó esa historia. Un nombre que, con el paso del tiempo, ha dado pie a todo tipo de interpretaciones, pero que en realidad funciona como un recuerdo permanente del lugar donde nació la banda. 

Con la idea ya sobre la mesa, el proyecto comenzó a tomar forma en Bilbao. El primer paso fue la incorporación de Mikel, a quien Eder conoció durante las fiestas de Gallarta. Por aquel entonces, el cantante ya compartía versiones en redes sociales y dedicaba parte de su tiempo a escribir canciones, una faceta que hoy lidera dentro del proceso creativo de Rebecca Court.

Más tarde se unió Guille como percusionista, alternando entre el cajón y la batería en función del formato del directo. El núcleo de la banda lo forman ellos tres: Eder Flaño Goñi, Mikel Fernández de Cea y Guillermo Picaza, aunque en determinados conciertos la formación se amplía con Adrián Esteban al bajo y Jon Arostegui a la guitarra.

Entre las influencias de los 2000 y el pop actual

Rebecca Court se mueve entre el pop y el rock, aunque su propuesta encuentra buena parte de su personalidad en el equilibrio entre las influencias con las que crecieron y las referencias que hoy marcan el panorama nacional. En su imaginario conviven nombres como Melendi, Estopa o Pereza —bandas sonoras de toda una generación— con artistas como Dani Fernández, Marlon o Álvaro de Luna, referentes del nuevo pop de guitarras que vuelve a ganar protagonismo en la escena española. 

Antes de publicar música propia, Rebecca Court empezó recorriendo escenarios con un repertorio de versiones de canciones que ellos mismos habían escuchado durante toda la vida. Aquellos conciertos les permitieron construir una comunidad, ganar experiencia sobre las tablas y comprobar qué conectaba con el público. Pero, sobre todo, les sirvieron para descubrir cuál querían que fuera el siguiente paso. 

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El grupo entendía esa etapa como un punto de partida, no como un destino. Mientras los conciertos seguían llenándose de himnos ajenos, Mikel ya trabajaba en las primeras composiciones propias, un proceso creativo en el que está totalmente abierto a sugerencias por parte de sus compañeros y entorno.

Con esa evolución llega también una nueva etapa para Rebecca Court. En ella, quieren dejar de ser la banda que interpreta canciones de otros para empezar a construir un repertorio propio con el que hacerse un hueco dentro del pop-rock nacional. 

‘Primeras partes’, la carta de presentación de Rebecca Court

El primer paso en esta nueva etapa llegó el pasado mes de mayo con ‘Primeras partes’, el debut discográfico de Rebecca Court, grabado y producido en Horizon Studios. Una canción que funciona como la mejor carta de presentación posible para entender hacia dónde quiere caminar la banda. 

En apenas unos minutos, el grupo deja claras sus coordenadas sonoras. Las guitarras, las palmas y una producción cálida sostienen una canción que mira de frente al pop-rock español sin renunciar a una personalidad propia. 

‘Primeras partes’ gira alrededor de esas historias que parecen no terminar nunca del todo. A través de imágenes cotidianas como el vino tinto, los amaneceres o los focos, Rebecca Court construye un relato sobre los recuerdos que permanecen cuando una relación llega a su fin.

Habla de quienes siguen viviendo en el recuerdo de lo que una vez empezó, convencidos de que algunas historias nunca llegan a romperse del todo. Solo se quedan, para siempre, en sus primeras partes.

El verano de 2026 está siendo el más activo para Rebecca Court desde su nacimiento. Su agenda se ha llenado de actuaciones en bares, terrazas, fiestas populares, bodas y diferentes escenarios repartidos por el norte del país.

Fuente: @1rebeccacourt

Tras el lanzamiento de ‘Primeras partes’, Rebecca Court ya trabaja en nuevas canciones que podrían llegar antes de finalizar el año. La intención pasa por reunir ese material en un primer EP cuya publicación se contempla para comienzos de 2027. Después llegará el reto de consolidar un repertorio propio capaz de abrirles las puertas de salas y festivales. 

Rebecca Court todavía está escribiendo sus primeras páginas, pero hay debuts que dejan entrever con claridad hacia dónde quiere caminar una banda. Si todavía no los conocías, este es el momento de hacerlo. Porque las mejores historias musicales siempre tienen un primer capítulo, y la de estos chicos bilbaínos acaba de empezar. 

Imagen destacada: Rebecca Court

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Crecer entre la pasión por las letras de una madre profesora y el vaivén creativo del estudio de producción de su padre convirtió la música en una misión inevitable para Julia Debis. Desde sus primeras composiciones en cuadernos hasta su consolidación en la escena musical, la artista canaria ha sabido transformar la honestidad y la emoción en su principal sello distintivo, combinando una sonoridad orgánica y acústica con historias profundamente personales en las que resulta imposible no verse reflejado.

Hoy, la cantautora da un paso decisivo en su carrera con el lanzamiento de su nuevo EP, ‘La Memoria’: un trabajo conceptual que nace como un refugio frente al paso del tiempo y una vía para sanar a través de las canciones.

Charlamos con Julia Debis

Why Not Magazine: Echemos la vista atrás. Naces en un hogar con una madre filóloga y un padre músico. ¿Cómo crees que ha influido este «combo» familiar en tu música?

Julia Debis: Al final, todo suma. Mi madre, como profesora de Lengua y Literatura, fue quien me enseñó a leer y escribir, despertando mi pasión por las letras. Por otro lado, al ser mi padre músico y productor, pasé gran parte de mi infancia en su estudio, lo que dejó una huella inevitable en mi inconsciente. Ellos plantaron esa semilla en mí y yo simplemente me encargué de regarla para que floreciera.

WN: Como dices, pasaste tu infancia en el estudio de música de tu padre en La Palma. ¿Qué recuerdo específico de ese espacio se te quedó muy grabado y te hizo decir: «Yo quiero hacer esto el resto de mi vida»?

JD: Estaba tan integrado en mi día a día que nunca me planteé conscientemente “quiero dedicarme a esto”. Crecí sintiendo que era mi misión. Recuerdo pasar horas en el estudio dibujando mientras escuchaba música sin parar; de hecho, creo que aprendí a diferenciar los instrumentos antes que los animales. El otro día volví a ver esos dibujos llenos de guitarras, pianos y mesas de mezclas, y me di cuenta de lo profundamente presente que sigue estando esa infancia en la mesa de mi padre dentro de mi cabeza.

WN: Con solo 12 años ya componías, tocabas de forma autodidacta y te subías a los escenarios. Al mirar atrás, ¿qué le dirías hoy a esa Julia de 12 años que empezaba a compartir su mundo con una guitarra?

JD: Si pudiera hablar con mi yo de la infancia, esa que guardaba sus primeras composiciones en diarios y libretas, le diría que no está equivocada. Aunque sea un camino difícil, arriesgado y lleno de gente diciéndole que no tiene salida, le diría que los demás también se equivocan y que, cuando sientes ese gusanito por dentro, sabes que no hay nada en el mundo que te vaya a hacer más feliz.

WN: A los 18 dejas las islas para estudiar Musicología en Madrid. Desde entonces, tu carrera comenzó a despegar. ¿Cómo cambió tu perspectiva de la música al pasar de publicar tus ‘covers’ en redes sociales a trabajar de una manera más profesional?

JD: Mi vida ha cambiado radicalmente. Aunque llevo unos años sacando música, siento que apenas estoy desplegando las alas y buscando mi lugar. Para mí, sigue siendo surrealista que lo que durante toda la vida creé en mi habitación hoy esté en todas las plataformas al alcance de cualquiera, y no quiero perder nunca esa capacidad de asombro. Sé que aún me queda muchísimo por hacer y aprender.

Julia Debis presenta su nuevo EP, ‘La Memoria’ | Fotografía: Cedida por M2 Music Group

WN: Llegando al presente, tu nuevo EP de 6 canciones es, en realidad, tu primer álbum. ¿Por qué elegir ‘La Memoria’ como el concepto paraguas para este debut?

JD: Este año, al acercarme a los 26, me he replanteado muchas cosas, desde el futuro —como el deseo de ser madre algún día— hasta miedos muy profundos, como el temor a olvidarme de los míos o los consejos de mi madre. Me he dado cuenta de que tiendo a borrar de mi mente los momentos más difíciles y que muchas veces actúo en piloto automático sin recordar cómo tomé ciertas decisiones. Por eso, he querido dejar constancia de todo lo vivido y sentido en mis canciones para asegurarme de que no se me vuelva a olvidar jamás.

WN: ¿Es este proyecto más un ejercicio de nostalgia o una forma de cerrar etapas a través de esa memoria que a veces se presenta escurridiza?

JD: Creo que al final son ambas cosas: no es que elija olvidar de forma selectiva, sino que el corazón tiene su propia memoria. Por eso decidí llamar así al EP: aunque suena nostálgico, en realidad es mi forma de sanar y seguir adelante. De hecho, aunque a través de mis canciones pueda parecer que siempre estoy triste, la verdad es que me siento muy feliz, y solo comparto esa parte de mí con la esperanza de que también le pueda servir de ayuda a alguien más.

WN: Las 6 canciones, como ‘Las Naranjas’, ‘Dinosaurios’ o ‘No Se Toca Ese Botón’, funcionan como un viaje entre la nostalgia y la esperanza. ¿Fue difícil seleccionar solo estos temas o siempre tuviste claro que eran estas las que representaban el significado de ‘La Memoria’?

JD: Lo tenía clarísimo. Desde que empecé a lanzar música en 2022, intenté construir un disco de doce temas, pero acumulé cientos de canciones que acabé descartando a medida que evolucionaba y encontraba mi sonido. Tras autoexigirme tanto y darme cuenta de que ya no conectaba con lo anterior, me prometí no procrastinar más y decidí que los temas que compusiera a partir de junio formarían el EP. Al final, como hablo de vivencias reales, casi sin buscarlo encontré de forma natural un concepto y una línea que lo unificaba todo.

WN: ¿Te da miedo abrirte tanto a través de la composición de tus temas?

JD: La verdad es que no, porque siento que es lo que llevo haciendo desde el principio y nadie me ha juzgado por mis historias; al contrario, la gente ha empatizado y llevado esas canciones a su propio terreno, sobre todo quienes me conocen y saben de primera mano lo que he vivido. Más que ponerme en una posición vulnerable, he transformado esa exposición en algo positivo porque son vivencias con las que cualquiera se puede sentir identificado.

WN: Defines tu música como pop con toques de rock, pero siempre con una base de balada. ¿Cómo describirías la identidad sonora que finalmente has logrado en este trabajo?

JD: Continúo haciendo música orgánica y acústica porque es así como nacen todas mis canciones, desde la guitarra y la voz. Mi única finalidad es mantener esa honestidad en la que creo, convencida de que siempre habrá un público dispuesto a conectar con este género y con mi forma de sentir.

WN: ¿Has tenido algún referente musical a la hora de componer y producir este EP?

JD: Escucho una variedad enorme de música e intento plasmar esas referencias buscando una sonoridad propia que no suene idéntica a nadie. Me atrae desde el rock argentino hasta artistas como Camilo, Marina Reche o Joaquina, pero más que influencias directas, me han ayudado a ubicar un sonido similar al mío que antes no lograba definir. Saber que hoy en día hay un espacio donde este género funciona me da la esperanza de que, tarde o temprano, mi música también pueda encontrar su lugar.

WN: ¿Qué te gustaría que alguien pensara y sintiera al escuchar ‘La Memoria’?

JD: Me gustaría que piensen que no están solos y que ser una persona entregada no tiene nada de malo. Durante mucho tiempo me culpabilicé por darlo todo, por quedarme hasta el final y luchar, aunque no me quedara nada dentro, sintiendo que era un defecto. Sin embargo, me he dado cuenta de que también es una gran virtud, y espero que la gente que pase por lo mismo aprenda a ver en esos supuestos defectos la parte que los hace especiales.

WN: Vienes de hacer dos ‘sold out’ consecutivos en la mítica Sala Búho Real de Madrid, y ahora preparas la presentación del EP. ¿Qué sorpresas o qué formato de directo estás trabajando para acercar este álbum a tu público?

JD: Estoy súper emocionada porque, desde aquellos dos ‘sold-outs’, no he vuelto a tocar en Madrid, y este año al fin presentaré ‘La Memoria’ en una sala que me encanta, con lugar y fecha a punto de anunciarse. Además, haremos una pequeña gira por la península y Canarias. Hemos preparado sorpresas y me he enfocado en trasladar exactamente al escenario toda la esencia del EP y su concepto visual, para que la experiencia en directo sea tal cual como suena en las plataformas.

WN: Has compartido cartel con artistas tan diversos como Amaral, Jorge Drexler o Nicky Jam. ¿Qué aprendizaje te llevas de conciertos tan grandes que apliques ahora a tus propios shows y a tu música?

JD: Al final se trata de gente a la que he admirado toda mi vida, como Jorge Drexler, que es una de mis mayores influencias. Compartir cartel con él o con referentes como Amaral, Nicky Jam o Elena Rose me hace sentir que todo a lo que aspire puede ser posible. Es un auténtico sueño y una oportunidad de aprendizaje increíble, aunque a veces me cuesta creérmelo.

Julia Debis destaca dentro de la esfera de artistas canarios emergentes | Fotografía: Cedida por M2 Music Group

WN: ¿Y hacia dónde camina ahora Julia Debis? ¿Estás trabajando en más proyectos o estás enfocada en presentar primero este EP?

JD: Camino hacia un lugar muy lejano, sin prisa, pero con paso firme. Tras el lanzamiento del EP no pienso frenar: antes sentía la necesidad de contar con el respaldo de una discográfica o de que otros confiaran en mí, pero hoy sé que soy mi propio motor. Aunque estoy rodeada de gente maravillosa que me apoya, la responsabilidad de remar es mía, así que se viene muchísimo trabajo y, sobre todo, mucha más música.

WN: Para acabar, si ‘La Memoria’ fuera un reflejo de todos tus recuerdos, ¿qué te gustaría que se quedara grabado en la memoria de los demás respecto a tu música?

JD: Me gustaría que se quedara la imagen de ‘Las Naranjas’, que al final representa mi origen, mi casa y ese árbol que ha crecido toda la vida en el jardín junto a mi familia. También la de esa playa de arena negra de la que habla la canción. Todo eso no es solo el principio, sino lo que soy en cada una de mis versiones, y esa es la esencia con la que me gustaría que la gente se conectara.

Imagen destacada: Cedida por M2 Music Group

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Hay miradas que guardan historias completas, pero que terminan por desvanecerse en un parpadeo sin que nadie se atreva a rescatarlas. En algún rincón entre las calles de Barcelona y las puertas abiertas de una cafetería, una joven compositora ha decidido que sus confidencias y pequeños matices cotidianos no se queden atrapados en lo efímero. Ella es Elena Verona, y ha irrumpido en la escena musical con la firme vocación de otorgar una voz exacta a todo aquello que una generación padece de forma silenciosa pero que, a menudo, no logra descifrar con palabras.

Esta cantante catalana da forma a un pop-rock de tintes adolescentes que se desmarca por completo de los moldes comerciales habituales. Su verdadera identidad artística reside en la capacidad de entrelazar sus acordes con su pasión por la literatura, haciendo de su música un espejo para quienes se sienten incomprendidos. Tiene un objetivo claro: dar refugio a quienes sienten que nunca han ocupado un papel protagonista.

 

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Un diario íntimo de Elena Verona hecho canciones

Esta combinación de literatura y pop se refleja en el recorrido discográfico de Elena Verona. Ya se vislumbraba en composiciones como ‘Tan Ridícula’ o ‘¿Qué se siente???’, y se afianza ahora a través de su reciente nueva propuesta titulada ‘Ojos marrones’.

Este último proyecto, concebido como una declaración para ese amor platónico del que jamás logramos descifrar su desenlace, ha sido moldeado a nivel creativo y de producción junto a los artistas Neva, Jonathan Burt y Loren Fernández, integrantes de la banda Meler. El single, complementado por un cuidado diseño de vestuario y una pieza audiovisual lírica, es un manifiesto melódico que nos advierte de que el silencio no basta para darse a conocer; también hay que revelarse a través de la música.

La intimidad atrapada en el escenario

La misma calidez que Elena Verona consigue transmitir a través de unos auriculares al darle ‘play’ a su música se traslada a lo físico. A ese lugar donde parece que el tiempo se detiene y ya nada más importa. Sus actuaciones en directo han dejado impronta tanto en citas de carácter más privado como en auditorios de gran prestigio en nuestro país, entre los que destacan el Auditori de Barcelona, el Hard Rock Café de Madrid y la histórica Sala Morocco de la capital.

Ya sea arropada por su ukelele o por su guitarra acústica, la joven artista constata que su música es un refugio tangible; para ella, pero también para su público. Es, en definitiva, el altavoz idóneo para todas aquellas almas que alguna vez soñaron con tomar las riendas de su propio relato.

 

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Las ‘romcom’ también tienen su protagonismo

En la era en la que vivimos, donde la imagen pesa más que la palabra, el formato visual también tiene una importancia clave dentro del universo musical de Elena Verona. Su propuesta estética y musical se nutre con orgullo de la nostalgia desbordante de los años noventa y el inicio de los dos mil, rescatando una atmósfera luminosa, vitalista y esencialmente femenina.

Al explorar las fuentes de las que bebe su imaginario visual, resulta inevitable rememorar el anhelo inocente de figuras de la pequeña y gran pantalla como Penelope de ‘Los Bridgerton’, Josie en ‘Never Been Kissed’, la joven Sam de ‘A Cinderella Story’ o Bianca en la cinta ‘The Duff’. En sus canciones también resuenan la excentricidad entrañable de Luna Lovegood —con sus icónicas gafas ‘spectrespecs’—, así como la autenticidad de personajes como Barbara en ‘Stranger Things’, Paris de las emblemáticas ‘Gilmore Girls’ o Rita en ‘Velvet’.

Elena Verona no es solo una artista que lanza canciones al viento; es una narradora que edifica un hogar con sus acordes para que nadie vuelva a sentirse invisible. En un mundo que a menudo camina demasiado deprisa, escucharla es como abrir de nuevo nuestro libro favorito. Al final del día, sus composiciones nos dejan una certeza reconfortante: la de que nuestras pequeñas rarezas y nostalgias también merecen ser cantadas en el escenario de la vida.

Imagen destacada: Cedida por su equipo de management

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El 15 de abril de 2024, en Instagram, apareció por primera vez una foto de unos chavales acompañada de un mensaje claro y directo: “Somos Línea Doce y venimos a romper la escena”. Desde Navalcarnero, seis jóvenes —Luis, Dani, Dani Pablos, Pablo, Alberto y Gabri— forman una familia unida por la música y la pasión por contar historias desde el corazón.

Con ganas, ilusión y ese amor por la música que los une desde siempre, decidieron dar vida al proyecto que sería el grupo de su vida. El nombre de la banda tiene historia: su primer ensayo fue en Fuenlabrada y, para llegar desde Madrid, tenían que tomar la línea 12 del metro. Ese trayecto tan cotidiano se convirtió en un símbolo, un punto de encuentro que marcaría el inicio de todo.

El primer lanzamiento de Línea Doce fue ‘Perdóname’, el tema que los presentó en la escena y mostró su forma de entender la música. La canción relata un amor intenso y complicado, donde los sentimientos se mezclan con la confusión y la dificultad de manejar la situación. Una historia honesta que, gracias a códigos de Spotify pegados en farolas, acabó llegando a la gente e incluso inspiró algunos covers en redes sociales.

‘Con lo simple que es el amor’, su EP debut

Tras meses de trabajo, el 22 de agosto de 2025 la banda lanzó su primer EP: ‘Con lo simple que es el amor’. Un proyecto que había estado cocinándose a fuego lento desde el 26 de febrero, compuesto por cuatro canciones. Cuatro pequeñas ventanas a sus vivencias más personales y escritas desde el corazón y la vulnerabilidad.

Con él, exploran el amor en todas sus formas. Desde la pasión de un romance hasta la simplicidad de querer, donde el exceso de complicación surge, a veces, de uno solo.

El primer adelanto y canción que abre el EP, ‘Suena tu canción’, es un relato explícito de la historia de un chico y una chica, con una carga de nostalgia y reflexión sobre los cambios que el tiempo trae consigo. Es el punto de partida del proyecto y, a la vez, un guiño a Pereza, una de las bandas que han marcado su música y su forma de contar historias.

Para el grupo tiene un valor especial, sobre todo para Dani, cuyo primer proyecto musical fue un tributo a Leiva y Pereza, y que ahora esa referencia la encontramos en su propio camino. 

La canción que da nombre al proyecto, ‘Con lo simple que es el amor’, captura la magia de los primeros momentos de enamoramiento, esos instantes en los que todo parece más brillante y vivo. Es un viaje por emociones intensas. Como la emoción de estar cerca de alguien, la alegría de las pequeñas cosas compartidas, la ternura de sonreír sin razón al mirarle. 

Al mismo tiempo, refleja la vulnerabilidad y la incertidumbre que trae el amor: los “porqués” que surgen, las dudas y el deseo de que todo sea claro, aunque la certeza de estar juntos haga que el corazón lata con fuerza. 

‘Lucía’ tiene una melodía cañera que contrasta con su letra llena de matices tristes. Habla de un amor intenso, pero complicado, de esos que se viven con pasión y vulnerabilidad al mismo tiempo. Es la historia de escapadas juntos, de momentos compartidos llenos de risas y ternura, pero también de despedidas dolorosas y de corazones que no siempre saben sostener el calor del otro.

‘Hace Frío’ cierra el EP y lleva compuesta alrededor de dos años. Es una oda a la honestidad en el amor y a no dejarse llevar por lo que piensen los demás. La canción habla de dos personas en un momento delicado, pero todavía llenas de ganas, deseo y esa energía que solo aparece cuando queda algo por salvar. Invita a parar el mundo, a encontrar un pequeño refugio donde hablar claro, escucharse y quizá recomponerse.

@lineadoce

Hace frío, pero me apetece quedarme aquí

♬ sonido original – Linea doce

Línea Doce en los escenarios

Este 2025 lo han vivido casi desde una nube. El 12 de octubre estaba previsto que se celebrara en Sevilla el MyPlaylist Fest, un festival innovador donde el público decidía qué artistas se subían al escenario. Sin embargo, la organización anunció que el evento quedaba aplazado “debido a circunstancias fuera de nuestro control relacionadas con la convivencia de varios eventos en el espacio de los exteriores del Estadio de la Cartuja”, y cerraba el comunicado con un mensaje lleno de empatía. “Sabemos la ilusión y las ganas que, al igual que nosotros, teníais por vivir esta experiencia”.

Esa ilusión también estaba en Línea Doce, quienes habían sido elegidos por el público y compartirían cartel con artistas que llevan escuchando toda su vida, como Melendi o Pignoise.

A pesar de este cambio, la banda no ha dejado de sumar experiencias en directo. En septiembre tocaron en Madrid, en la Sala Cadavra, su primera actuación en solitario, y vendieron todas las entradas. Fue una demostración clara de que su proyecto crece, se consolida y conquista a quienes lo escuchan.

El 21 de noviembre cerraron su ciclo de conciertos de 2025 con el Festival Ultreia en la mítica Sala El Sol, compartiendo escenario con Ale Ocaña y Margarita. Una noche para descubrir, cantar y disfrutar de la mejor escena emergente, que resumieron en redes con un mensaje lleno de emoción.

“Cada vez que tocamos en Madrid es mejor que la anterior”, escribieron. Tras este concierto, anunciaron un pequeño parón para centrarse en nuevas canciones, que seguirán acompañando la vida y los cascos de muchos, convirtiéndose en futuras bandas sonoras vitales.

Cifras y sensaciones van de la mano. A finales de 2025, Línea Doce cerraba el año con más de 14 mil oyentes en Spotify, un número que seguirá creciendo gracias a su música llena de sinceridad. Con el 2026 a la vuelta de la esquina, Línea Doce se perfila como una banda emergente con mucho por conquistar. Su viaje musical apenas acaba de comenzar, y todo indica que lo mejor está por venir.

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En algún punto entre la nostalgia noventera y la urgencia del rock actual, nació Puño Dragón. Cuatro músicos asturianos que han encontrado la manera de sonar a clásico sin sonar antiguos, y de mirar hacia adelante sin perder el alma. Ellos lo resumen mejor: «Viejos pero modernos».

Su historia empieza en 2021, cuando la idea de montar una banda empezó a tomar forma y, tras cuatro años, llegó la alineación que hoy conocemos: Rafa Tarsicio (ex-Tigra) en la voz y guitarra, Germán Mingote en el micrófono y cuerdas, Manu Huertas (ex-The Parrots) en la batería y Erik Iglesias (ex- Destino 48) en el bajo.

El nombre de la banda surgió casi por accidente, mientras buscaban algo ‘grandón’ y divertido que reflejara su espíritu y sus recuerdos de infancia. Entre Dragon Ball y Pokémon: así nació Puño Dragón.

El estallido de Puño Dragón

En octubre de 2022 publicaron su primer single, ‘Carcaj’, que les llevó a su primer contacto con el público en la Sala Siroco de Madrid. Aquella noche fue su carta de presentación y demostraron que sus letras no tienen miedo de mostrar vulnerabilidad. En ella, hablan de sentirse pedidos, heridos y llenos de cicatrices, pero con el impulso de entregarse de nuevo, aun sabiendo que puede volver a doler. 

El entusiasmo por esta primera canción sirvió como antesala del primer álbum homónimo, publicado en 2023. ‘Puño Dragón’ es un disco con un imaginario musical que transita entre lo clásico y lo actual. Cada tema parece contar su propia historia, pero el todo muestra la coherencia del grupo: desde la declaración de libertad de ‘El baile del aire’, pasando por la intensidad contradictoria de ‘Mierda, creo que te quiero’ hasta la oscuridad caótica de ‘Necesito una pala’. 

En canciones como ‘Agua de mayo’ se sienten los recuerdos que se escapan y la nostalgia de lo que fuimos, mientras que ‘Veneno’ nos enfrenta a los demonios internos con brutal honestidad. ‘No quiero probarlo’ nos abraza con fragilidad y sinceridad, y ‘La caída de un imperio’ muestra el drama de las rupturas sin perder la ternura. El disco se cierra con ‘Entre las flores’, un suspiro íntimo que deja al oyente con la sensación de haber caminado un trecho con ellos. 

‘Juegos Violentos’, su segundo álbum

Tres años después, en 2025, llegaba su segundo trabajo, ‘Juegos Violentos’, gestado en House of Light, el estudio de Germán Mingote —uno de los componentes del grupo— en Oviedo, y se cocinó a fuego lento. Sin duda, muestra a Puño Dragón en plena madurez creativa. 

El trabajo discográfico arranca con ‘Bailén’, una despedida disfrazada de musical, donde dos amantes bailan por última vez sabiendo que lo suyo no tiene futuro. Luego llega ‘Ladrando a tu puerta’, que captura la soledad que queda después de una ruptura, la voz de quien se queda atrás resonando como un perro callejero, mientras la persona amada parte hacia su propio destino. 

La canción que da nombre al disco, ‘Juegos Violentos’, retrata una relación tóxica y cíclica, mientras ‘Emilia’ rinde homenaje a una mujer libre que dejó un vacío imposible de llenar. ‘No es un barranco’ y ‘Creo que ahora sí que lo entendí’ hablan de miedo, cambios y refugio en otros, mientras ‘Haré lo que pueda’ se convierte en un himno de entrega y amor incondicional.

Vamos llegando al final con ‘Masai Mara’ y su pasión salvaje de una relación intensa. ‘Ya te llamaremos’ y ‘Fantasmas’ enfrentan la ironía y los recuerdos que persisten tras rupturas para que ‘Súbeme!’ nos llene de deseo y miedo. Y ‘Vamos vampiros!’ cierra el disco con un estallido de juventud, libertad y urgencia por vivir.

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La gira de presentación de ‘Juegos Violentos’ les llevó a llenar salas como La Sol en Madrid y a recorrer buena parte de la geografía española. Esto los ha convertido en una de las propuestas más interesantes de la escena nacional. Porque el puño ya está cerrado, el dragón ha despertado, y su rugido parece que solo acaba de empezar.

Tras la ruta festivalera que están teniendo este verano, algunas ciudades como A Coruña, Zaragoza o Barcelona tendrán la oportunidad de disfrutar de su directo. ¡Las entradas están disponibles en la web oficial de la banda!

Fuente: @punhodragon

En paralelo, Puño Dragón no para. Han demostrado su versatilidad en temas como ‘La ciudad’ junto a Lucas Colman, ‘Hacernos viejos’ con Mateo Eraña y ‘El diablo de tu corazón’, firmado únicamente por ellos. Así dejan claro que el 2025 está siendo para marcar en rojo en su propia historia musical.

Escuchar ‘Puño Dragón’ es sentir que el rock todavía puede doler y emocionar, que puede hacernos reír, llorar y recordar, todo al mismo tiempo, y que estas canciones tienen la magia de quedarse pegadas al corazón mucho después de sonar. Y esto es lo que queremos hacerte ver con este artículo. Así que ya sabes, ¡síguelos para no perderte nada!

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Hay artistas que no necesitan demasiado para emocionar. Porque a veces, la música más honesta viene bajito, pero diciéndolo todo. Y si hablamos de las nuevas voces del pop-rock en nuestro país, aparece ese susurro del norte que está escribiendo su propio himno. Él es Mateo Eraña, nacido del silencio de una habitación en Gijón, de una flauta travesera que nunca fue el plan… pero que terminó abriendo todas las puertas.

La historia de Mateo no empezó con una guitarra eléctrica ni con un micrófono en mano. Empezó en el Conservatorio, a los 8 años, con una flauta travesera. Aunque lo que él realmente quería era tocar la batería, fue ese instrumento clásico el que le metió de lleno en el mundo de la música. Y así, sin saberlo, se fue forjando la sensibilidad musical que hoy le define.

Con el tiempo, y de forma autodidacta, también empezó a aprender batería. Ese fue su primer contacto real con el rock. Aprendió por su cuenta, se metió en bandas, probó escenarios pequeños… y un día se dio cuenta de que no solo quería marcar el tempo. Quería contar su historia con voz propia. Así empezó a cantar. Así empezó Mateo Eraña.

Como tantos artistas del norte, llegó un momento en que se encontró con un techo. Gijón le quedaba grande, emocionalmente, pero pequeño profesionalmente. Madrid le abrió el mapa: músicos, salas, oportunidades. Pero Asturias, su raíz, sigue latiendo en cada canción. Porque aunque ahora está de inquilino en la capital, la tierra tira. Y mucho. 

Gijón le vio nacer… y despegar

Enero de 2024 fue el punto de partida real. Mateo agotaba entradas en el Teatro Albéniz de Gijón con solo 17 años. No era solo su primer concierto “de verdad”. Era una especie de declaración emocional en casa. Allí grabó en directo su primer single: “Amor al aire”, una canción que ya hablaba de su forma de entender la música.

Dos meses después, volvía a emocionar a su tierra. Esta vez en un estadio. El Molinón, casa del Real Sporting de Gijón. En un homenaje familiar. Nieto de Juan Eraña, histórico del club, y sobrino de Iñaki Eraña, su vínculo con el fútbol era más que sentimental. Aquella tarde interpretó sus canciones —entre ellas ‘Labios impacientes— y, de repente, el fútbol y la música se abrazaron.

‘406’, su primer EP

En octubre de 2024, lanzó su primer EP, ‘406′, y con él, nos abrió un poco más las puertas de su mundo musical.  En ‘Labios impacientes’ se siente esa melancolía de perder a alguien especial, como una noche en la que los recuerdos y los deseos se mezclan con el paso imparable del tiempo. Con ‘Señoritas’ juega con esa sensación de caos y atracción que provocan esas personas que llegan a tu vida para desordenarla, dejar una huella intensa y desaparecer justo cuando menos lo esperas.

El miedo a perder a alguien se cuela en ‘Tengo miedo a perderlo’, una canción que refleja esa angustia y soledad que todos hemos sentido alguna vez, esa necesidad de aferrarse a lo que aún queda. Pero también hay espacio para la esperanza: ‘Hay luz’ transmite esa fuerza interior que aparece cuando todo parece apagarse, esa chispa que impulsa a seguir adelante pese al cansancio.

En ‘Amor al aire’ se mezcla el desamor con el orgullo, esa elegancia rota de quien intenta mantener la dignidad mientras el corazón lucha por recomponerse tras una ruptura. Y el EP se cierra con ‘Si tú no estás aquí’, un tema que habla del vacío y la tristeza profunda cuando alguien amado se va, y cómo ese dolor puede apagar la alegría y llenar el silencio de un eco difícil de olvidar.

Y este proyecto también ha crecido en escenarios con su artista. Porque este 2025, Mateo no ha parado. Lo hemos visto brillar en festivales como Boombastic Asturias, Mar de Jávea, Galaxy Sound en Málaga o para cerrar el verano en el Cooltural Fest en Almería o el Ewan Fest en Salinas, de nuevo en casa.

‘Transparente’, el nuevo capítulo

Mientras gira, no deja de escribir. Porque ya está en camino su primer álbum completo, que llevará por nombre ‘Transparente’. El single que le da título vio la luz en abril y habla de ese vacío que queda cuando alguien que fue tu refugio, ya no encaja: “Fuiste mi lugar seguro, ahora eres transparente como un cristal”. 

El disco también incluirá otras canciones que ya se han convertido en favoritas del público, como ‘Prometo no llamar’, una oda a los amores que se recuerdan con ternura y distancia, o ‘Hacernos viejos’, su primera colaboración, junto a Punho Dragón.

@mateo.erana

Hacernos viejos with Puñoooo #parati #rock #musicaenespañol #poprock

♬ sonido original – Mateo Eraña

¿Y ahora qué?

A día de hoy, Mateo sigue escribiendo canciones, tocando en salas y festivales, y dando forma a su sonido, lo que queda claro es que tiene mucho que contar y muchas ganas de hacerlo.

No tenía prisa, pero tenía algo que contar con su voz y su guitarra. Y ahora que lo está haciendo, no hay quien lo pare. Sus canciones están ahí para acompañarte. Tiene una manera de cantar que no necesita gritar para emocionar. Tiene ese algo entre lo clásico y lo nuevo, entre el pop y el rock, que conquista. Pero, sobre todo, tiene tiempo. Tiempo para crecer, para equivocarse, para explorar. Y también tiene presente. Porque ya es parte de una generación de artistas que entienden la música como un refugio. 

Así que si no lo conocías, este es el momento. Y si ya lo escuchaste alguna vez, seguro que sabes de lo que hablo. Porque hay canciones que no se olvidan. Y voces que llegan para quedarse.

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Hay nombres que se quedan grabados a fuego cuando los escuchas, y Sanguijuelas del Guadiana es, sin duda, uno de ellos. Suena a algo salvaje y da la sensación de que ahí dentro hay historia y carácter. Y no te equivocas. Detrás de este nombre tan llamativo hay tres veinteañeros de la Siberia Extremeña que han hecho de su pueblo, de su río y de sus verbenas el corazón de su música. Y están dando mucho de qué hablar.

Carlos Canelada, Juan Grande y Víctor Arroba son amigos de toda la vida, criados en Casas de Don Pedro, un pequeño pueblo de la provincia de Badajoz. Como tantos niños de su generación, pasaron los veranos corriendo de punta a punta el pueblo, bañándose en el Guadiana (no sin antes recibir el típico aviso de sus madres: tened cuidado con las sanguijuelas) y con una pasión por la música de por medio.

Con el tiempo, esa pasión fue creciendo y transformándose. Los tres comenzaron en la banda municipal del pueblo, tocando instrumentos que hoy ya apenas rozan, pero que les sirvieron para enamorarse de la música y de la sensación de compartir un ritmo juntos.

A medida que fueron entrando en los 20, esas reuniones informales de amigos haciendo música en cualquier rincón comenzaron a tomar forma: así nació Sanguijuelas del Guadiana.

El nombre, como suele pasar con las mejores cosas, llegó casi por casualidad. Tocaban en plena calle de Madrid, en el barrio de Moncloa, cuando alguien les preguntó cómo se llamaban. Sin pensarlo mucho, Juan soltó “Sanguijuelas del Guadiana”, un nombre que surgió de la nostalgia y de la infancia, del Guadiana que atraviesa su pueblo y de las sanguijuelas que sus madres les advertían que había en el río. Lo dijeron entre risas, pero se quedó grabado para siempre.

‘La Revolá’: el álbum que es un viaje al pueblo

En mayo de 2025 publicaron ‘La Revolá’, su primer álbum. Un disco que es una narración casi cinematográfica de su propia historia. Desde los veranos sin fin corriendo por Casas de Don Pedro, hasta esa necesidad de irse y buscarse la vida en la ciudad. Desde los primeros ensayos en cocheras hasta el encierro artístico en una vieja estación de tren de Malpartida de Cáceres. Todo está ahí, canción a canción.

En su sentido literal, “revolá” es esa salida rápida y sorpresiva, ese acto de marcharse sin avisar, dejando atrás personas y lugares de golpe. En el caso de Sanguijuelas del Guadiana, ellos también dieron esa revolá. La dieron a su manera. Nunca abandonaron realmente Casas de Don Pedro, aunque la vida les empujara a probar suerte en Madrid. Esa mezcla de ida y vuelta es la que define el pulso y el alma de este disco.

Fuente: Sanguijuelas del Guadiana

‘La Revolá’ cuenta, en orden cronológico, cuatro momentos de su historia. Empieza con los veranos en la brecha, como cantan en su canción ‘La Brecha’: la alegría de estar en libertad, sin más preocupación que jugar, bañarse en el Guadiana y vivir el presente. Esa etapa también remite a sus primeros años en la banda municipal, donde tocaban pasodobles y marchas, aunque en instrumentos a los que ya no le dan uso. Fue ahí donde comenzaron a aprender y a enamorarse de la música juntos.

Pero el paso de los años trajo la dificultad de crecer en un lugar pequeño, con pocas oportunidades para dedicarse a lo que realmente querían: hacer música propia y contar sus historias. Por eso llegó la etapa de la partida, del “castigo” de no encontrar su sitio. Así cantan en ‘Quiere parecer’, un pasodoble electrónico que refleja la impotencia y las ganas de escapar, aunque sin dejar del todo el lugar que los vio crecer. Carlos y Juan se mudaron a Madrid, mientras que David, el bajista, se fue a Cáceres.

Ese ir y venir constante es lo que inspira el tercer capítulo del disco, con temas como ‘Llevadme a mi Extremadura’, donde expresan ese anhelo por su tierra, un lugar al que saben que siempre podrán regresar y desde el que quieren construir su proyecto musical. Así, el verano de 2023 fue un punto de inflexión. Los tres regresaron al pueblo, cerraron filas y establecieron como base la antigua discoteca abandonada donde hoy ensayan.

El cierre es la canción que lleva el mismo nombre que el disco. Aquí se dan cuenta de que para ellos es fundamental hacer la música desde su pueblo, con su identidad y sus raíces. Porque ese regreso fue un paso adelante para seguir creciendo como banda y como personas.

Sin duda, este álbum suena a todas esas verbenas que marcaron su adolescencia, a influencias tan dispares como Extremoduro, Estopa o la música tradicional de su tierra, con un toque fresco que conecta a la perfección con diferentes generaciones. Un cóctel de rock, flamenco, electrónica y folklore que no para de conquistar a sus oyentes.

Verbena en vena (y en gira)

El pasado verano cumplieron uno de sus sueños: tocar en las fiestas de agosto de Casas de Don Pedro, con la plaza abarrotada de gente conocida, amigos y familia. Fue un momento mágico, una recompensa a todos esos años de esfuerzo.

https://www.tiktok.com/@sanguijuelas_/video/7503198303727668502?q=sanguijuelas%20del%20guadiana&t=1751997320537

Ahora, con la agenda llena de conciertos y ensayos que se hacen en la vieja discoteca del pueblo, Sanguijuelas del Guadiana están dejando claro que desde lo pequeño también pueden surgir grandes historias y mucha música que emociona.

Y tú, ¿a qué esperas para descubrirlos? Porque, sin duda, estos chicos tienen mucho que contar y un sonido que engancha de principio a fin.

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¿Sabes esa sensación de escuchar una canción y pensar que la escribieron sobre tu vida? Eso pasa cuando alguien canta con verdad. Y eso es justo lo que hace Eva Loma. No se esconde detrás de metáforas complicadas ni se inventa historias. Canta lo que ha vivido, lo que ha roto, lo que le ha hecho crecer. Y por eso, emociona.

A veces la música no necesita ser gritada para hacernos sentir. De hecho, cuanto más suave, más duele. Eva Loma es una artista madrileña que sabe todo esto y está empezando a dejar huella con su propuesta de ‘pop triste’, un estilo que, lejos de sonar apagado, emociona y nos abraza.

Un inicio sin prisas

Lo suyo con la música no fue un flechazo. De hecho, de pequeña, la apuntaron a clases de violín… y no le apasionaba. No lo disfrutaba. Y aunque a esa edad parecía que la música no tomaría las riendas de su vida, todo cambió unos años después, cuando descubrió el piano a los 14. Empezó a tocar, a componer, a entender que ahí había una forma de expresar lo que no sabía decir con palabras.

Viendo a su hermana mayor cantar, un poco por imitación, un poco por admiración, cuando se animó a probar. Y su primer recuerdo musical es digno de película adolescente: una escena cantando ‘The Climb’ de Miley Cyrus en su habitación, delante del ordenador. Es la primera vez que se sintió artista, aunque la Eva de ese momento aún no lo supiera.

Fuente: @evalomamusic

Fue en 2017 cuando todo empezó a cobrar sentido. Viendo a Amaia en Operación Triunfo, algo hizo clic. Encendió su pasión y le impulsó a tomarse en serio su formación. Dejó de ser solo una chica que cantaba en su habitación y empezó a construir un camino hacia su sueño. Clases de canto, grabaciones, fallar y volver a empezar. El camino de alguien que empieza desde abajo, con muchas ganas y sin prisas.

Ella quería ser cantante porque había cosas en su interior que necesitaban salir. Y en lugar de escribirlas en un diario, decidió convertirlas en canciones.

El pop triste como propuesta artística

En sus temas hay melancolía, sí, pero también mucha sensibilidad y una mirada honesta hacia lo que duele. Se mueve en ese universo que ella llama ‘pop triste’, donde las letras duelen un poco, pero también curan. Porque es nuestra compañía musical perfecta. Es, musicalmente hablando, nuestro «menos mal que alguien lo ha puesto en palabras»

Entre sus referentes están Marina Reche, Belén Aguilera, Ede, Joaquina, Samuraï… todas con un punto común: temas escritos desde el alma y listos para llegar al corazón. Eva también sueña con colaborar con Carlota Mad o Mercedes Cañas, artistas que, como ella, apuestan por una música sincera y llena de emoción.

‘Technicolor’: el álbum para volver a ver en color

‘Technicolor’ es el primer adelanto de lo que será su primer EP. Una balada llena de alma que habla de una relación en la que no se sentía suficiente. De ese momento en el que entiendes que amar no debería doler. Está escrita por ella y producida por Valdo, quien supo como envolvernos con pinceladas rockeras.

Es una metáfora de volver a ver en color tras una etapa gris. Cuando estás atrapada en una relación que te apaga, todo pierde brillo. Pero cuando te vuelves a encontrar a ti misma, los colores también vuelven. Y eso es lo que hay detrás de esta canción.  En palabras de la artista, «es un abrazo de tristeza». Y sí, te aprieta el pecho un poco, pero en el fondo te está haciendo bien.

Sin duda, su música ha evolucionado. Empezó con temas más sencillos como ‘Lies’ o ‘Candelabro’, pero ahora explora nuevos territorios musicales. Lo está haciendo sin renunciar a lo que la hace única: la sensibilidad con la que cuenta sus historias.

Los próximos pasos de Eva Loma

El EP completo —que verá la luz dentro de poco— es un viaje emocional. Cada canción representa una fase de ese proceso de dejar ir, sanar y reencontrarse. Y eso, en tiempos donde todo parece tener que ser viral o estéticamente perfecto, es un soplo de aire fresco. Eva simplemente es ella, con sus miedos, sus aprendizajes y su forma de entender la música como refugio.

Si no quieres perderte ninguna novedad sobre ella, ¡síguela en sus redes sociales! También puedes ver la entrevista que hemos tenido la oportunidad de hacerle a Eva Loma desde Why Not Magazine. En ella nos ha contado un poco sobre cómo ha sido su camino en la música y su historia.

Si te has quedado con ganas de conocerla mejor, ¡dale al play!

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Seguro que muchas veces quieres descubrir a un artista nuevo, pero Spotify no siempre acierta con el algoritmo. Sin embargo, desde Why Not Magazine queremos recomendarte a una cantante emergente, Paula Caveira. Quédate con su nombre, porque puede acompañarte en muchos viajes este verano.

Paula Caveira se subió al escenario de La Plaza de Toros de Las Ventas por primera vez hace unos meses ante unas 3.000 personas como invitada en el concierto de Maldita Nerea. Aunque la joven cantante repitió como telonera del grupo en la gira ‘Origen’, actuando en el Palau de La Música Catalana en Barcelona, pero también en Zaragoza, Bilbao y Guadalajara.

Fuente: Paula Caveira

Poco tiempo después de su primer concierto junto a Maldita Nerea, la cantante emergente lanzó sus primeros tres singles: ‘Tatuadora Faber-Castell’, ‘Gritando en Braille’ y ‘Daltónico’, que juntos ya suman más 70.000 escuchas en Spotify. Además, Paula Caveira agotó las entradas de su primer concierto el pasado mes de marzo en una sala junto a la Gran Vía de Madrid.

El pasado mes de junio, la artista estrenaba su último sencillo ‘Calaveras de Oaxaca’, el cual ya supera las 10.000 reproducciones en Spotify. Este tema es una invitación para romper con la rutina y lanzarse a la aventura, viajar desde Madrid hasta Pekín en tan solo tres minutos. Pero también habla de cruzar y romper las fronteras interiores, como hizo Paula cuando dejó la oficina para dedicarse a tiempo completo a su gran pasión, la música.

La artista emergente es una joya aún por descubrir, sobre todo para aquellos quienes buscan una banda sonora especial para este verano. Sus canciones están marcadas por melodías frescas y una poesía ingeniosa influenciada por la década de los ochenta. Paula Caveira ha conseguido en muy poco tiempo conseguir una personalidad arrolladora.

La joven cantante ya tiene previsto su segundo concierto propio en la sala Dick de Madrid el próximo 9 de octubre. No te la pierdas y consigue tus entradas. Si en su primer concierto agotó las entradas, este no va a ser menos. Descubre a Paula Caveira antes de que lo haga todo el mundo, porque se hablará de ella en unos años.

Imagen destacada: Paula Caveira

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Como muchos otros artistas emergentes, Julia Cry empezó su andadura musical de forma improvisada. Encontraba pistas musicales en Internet, cantaba encima y jugaba con su voz sin pensar demasiado en lo que estaba haciendo.

Pero a los 16 años, todo cambió. En un momento de dudas sobre su futuro, la música se convirtió en su refugio. Desde pequeña le encantaba escribir, contar historias y compartir sus pensamientos en las redes sociales. Con el tiempo, todo eso se transformó en letras de canciones. El rap y la música urbana fueron sus primeras influencias, y marcaron los primeros pasos de lo que más tarde sería su camino.

Los primeros pasos de Julia Cry en la industria

Su primer tema salió cuando tenía 16 años, de la mano de un sello discográfico y un mánager. Fue una etapa de mucha exploración en la que probó diferentes estilos y aprendió sobre el proceso musical. Sin embargo, cuando esas canciones vieron la luz, Julia sintió que no la representaban del todo. En lugar de quedarse con esa sensación, ella decidió tomar las riendas de su carrera y cambió de equipo, de enfoque y trabajó en nuevas versiones de sus temas. Todos ellos, finalmente, formaron parte de un EP que sí reflejara quién era realmente.

Desde aquel momento, ha ido tocando un montón de géneros sin encasillarse en ninguno. Aunque la música urbana es su principal influencia, no tiene miedo de probar cosas nuevas. «Si algún día quiero hacer un bolero, lo haré», ha dicho más de una vez. Y es que, para ella, lo más importante es mantenerse fiel a lo que siente en cada momento.

‘Instinto’: un álbum que lo cambió todo

2024 fue el año del lanzamiento de su primer álbum, de su carta de presentación. Quería mostrar quién era, compartir su música con el mundo y tener un repertorio sólido para sus conciertos. Como su primer directo en la Sala Búho Real (Madrid) el pasado 25 de febrero, con el que hizo historia al colgar el cartel de entradas agotadas. Fue una noche llena de emociones, con algunos invitados y el estreno en exclusiva de lo que será uno de sus próximos lanzamientos, ‘YOSE’. Tras esta cita, la cantante también llevará su música a las ciudades Huelva y Barcelona.

«Es una locura cómo algo que escribes en tu habitación acaba sonando en la boca de tanta gente».

Además, no fue su único logro a raíz de esta publicación. En el año que acabamos de dejar atrás, recibió dos Premios Yepes de la Música de la Región de Murcia, un reconocimiento que le recordó que todo el esfuerzo estaba dando frutos. Fue una forma de valorar el trabajo de todo el equipo que la acompaña en su camino.

Su paso por distintos programas

Recientemente, la participación de Julia Cry en el talent show ‘Feat‘ de RTVE Play ha sido un gran impulso en su carrera. Su interpretación de ‘Mafiosa’ de Nathy Peluso dejó a todos boquiabiertos, incluyendo al jurado formado por Lit Killah, Rusherking, FMK, Omar Montes y Ana Mena. Esta actuación tan memorable le permitió ser una de las primeras artistas en avanzar a la siguiente fase.

Coincidiendo con su paso por el programa, Julia lanzó ‘ICONIC’ junto a Dandara, otra de las participantes. Este sencillo llegó después del éxito del álbum t de canciones como ‘Noche de Damas’ y ‘Repetimos’ junto a Malbo.

Otro momento destacable fue su paso por el programa ‘CRIT’ de Televisión Española. Según ella, fue una experiencia intensa y llena de aprendizajes. Aunque el contacto con los jueces no fue muy cercano, la conexión con sus compañeros fue lo que más disfrutó.

2025: un año lleno de nuevos retos

Este 2025, Julia Cry está trabajando en un nuevo álbum con un concepto completamente distinto al de ‘Instinto’. Además, ya ha dejado entrever algunas colaboraciones con artistas a los que admira y ha anunciado paradas por diferentes puntos de España.

A lo largo del año, hemos podido descubrir nuevos temas como ‘Ganas’, ‘Yose’, ‘Jumanji’ junto a Nuel Aang, ‘Detrás de mí’ con Mark Dayle o ‘ÚLTIMA LUNA LLENA’ con R Climent. Poco a poco, cada lanzamiento y cada paso que da la acercan más a su objetivo: seguir creciendo.

Lo que empezó como un simple juego en Internet ha llevado a la murciana a convertirse en una de las promesas más fuertes de la música urbana. Y, con todo, demuestra que su pasión es real y que está aquí para quedarse. Su futuro pinta más brillante que nunca… ¡Síguela en las redes sociales para no perderte nada!

Imagen destacada: Julia Cry

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