El 15 de abril de 2024, en Instagram, apareció por primera vez una foto de unos chavales acompañada de un mensaje claro y directo: “Somos Línea Doce y venimos a romper la escena”. Desde Navalcarnero, seis jóvenes —Luis, Dani, Dani Pablos, Pablo, Alberto y Gabri— forman una familia unida por la música y la pasión por contar historias desde el corazón.

Con ganas, ilusión y ese amor por la música que los une desde siempre, decidieron dar vida al proyecto que sería el grupo de su vida. El nombre de la banda tiene historia: su primer ensayo fue en Fuenlabrada y, para llegar desde Madrid, tenían que tomar la línea 12 del metro. Ese trayecto tan cotidiano se convirtió en un símbolo, un punto de encuentro que marcaría el inicio de todo.

El primer lanzamiento de Línea Doce fue ‘Perdóname’, el tema que los presentó en la escena y mostró su forma de entender la música. La canción relata un amor intenso y complicado, donde los sentimientos se mezclan con la confusión y la dificultad de manejar la situación. Una historia honesta que, gracias a códigos de Spotify pegados en farolas, acabó llegando a la gente e incluso inspiró algunos covers en redes sociales.

‘Con lo simple que es el amor’, su EP debut

Tras meses de trabajo, el 22 de agosto de 2025 la banda lanzó su primer EP: ‘Con lo simple que es el amor’. Un proyecto que había estado cocinándose a fuego lento desde el 26 de febrero, compuesto por cuatro canciones. Cuatro pequeñas ventanas a sus vivencias más personales y escritas desde el corazón y la vulnerabilidad.

Con él, exploran el amor en todas sus formas. Desde la pasión de un romance hasta la simplicidad de querer, donde el exceso de complicación surge, a veces, de uno solo.

El primer adelanto y canción que abre el EP, ‘Suena tu canción’, es un relato explícito de la historia de un chico y una chica, con una carga de nostalgia y reflexión sobre los cambios que el tiempo trae consigo. Es el punto de partida del proyecto y, a la vez, un guiño a Pereza, una de las bandas que han marcado su música y su forma de contar historias.

Para el grupo tiene un valor especial, sobre todo para Dani, cuyo primer proyecto musical fue un tributo a Leiva y Pereza, y que ahora esa referencia la encontramos en su propio camino. 

La canción que da nombre al proyecto, ‘Con lo simple que es el amor’, captura la magia de los primeros momentos de enamoramiento, esos instantes en los que todo parece más brillante y vivo. Es un viaje por emociones intensas. Como la emoción de estar cerca de alguien, la alegría de las pequeñas cosas compartidas, la ternura de sonreír sin razón al mirarle. 

Al mismo tiempo, refleja la vulnerabilidad y la incertidumbre que trae el amor: los “porqués” que surgen, las dudas y el deseo de que todo sea claro, aunque la certeza de estar juntos haga que el corazón lata con fuerza. 

‘Lucía’ tiene una melodía cañera que contrasta con su letra llena de matices tristes. Habla de un amor intenso, pero complicado, de esos que se viven con pasión y vulnerabilidad al mismo tiempo. Es la historia de escapadas juntos, de momentos compartidos llenos de risas y ternura, pero también de despedidas dolorosas y de corazones que no siempre saben sostener el calor del otro.

‘Hace Frío’ cierra el EP y lleva compuesta alrededor de dos años. Es una oda a la honestidad en el amor y a no dejarse llevar por lo que piensen los demás. La canción habla de dos personas en un momento delicado, pero todavía llenas de ganas, deseo y esa energía que solo aparece cuando queda algo por salvar. Invita a parar el mundo, a encontrar un pequeño refugio donde hablar claro, escucharse y quizá recomponerse.

@lineadoce

Hace frío, pero me apetece quedarme aquí

♬ sonido original – Linea doce

Línea Doce en los escenarios

Este 2025 lo han vivido casi desde una nube. El 12 de octubre estaba previsto que se celebrara en Sevilla el MyPlaylist Fest, un festival innovador donde el público decidía qué artistas se subían al escenario. Sin embargo, la organización anunció que el evento quedaba aplazado “debido a circunstancias fuera de nuestro control relacionadas con la convivencia de varios eventos en el espacio de los exteriores del Estadio de la Cartuja”, y cerraba el comunicado con un mensaje lleno de empatía. “Sabemos la ilusión y las ganas que, al igual que nosotros, teníais por vivir esta experiencia”.

Esa ilusión también estaba en Línea Doce, quienes habían sido elegidos por el público y compartirían cartel con artistas que llevan escuchando toda su vida, como Melendi o Pignoise.

A pesar de este cambio, la banda no ha dejado de sumar experiencias en directo. En septiembre tocaron en Madrid, en la Sala Cadavra, su primera actuación en solitario, y vendieron todas las entradas. Fue una demostración clara de que su proyecto crece, se consolida y conquista a quienes lo escuchan.

El 21 de noviembre cerraron su ciclo de conciertos de 2025 con el Festival Ultreia en la mítica Sala El Sol, compartiendo escenario con Ale Ocaña y Margarita. Una noche para descubrir, cantar y disfrutar de la mejor escena emergente, que resumieron en redes con un mensaje lleno de emoción.

“Cada vez que tocamos en Madrid es mejor que la anterior”, escribieron. Tras este concierto, anunciaron un pequeño parón para centrarse en nuevas canciones, que seguirán acompañando la vida y los cascos de muchos, convirtiéndose en futuras bandas sonoras vitales.

Cifras y sensaciones van de la mano. A finales de 2025, Línea Doce cerraba el año con más de 14 mil oyentes en Spotify, un número que seguirá creciendo gracias a su música llena de sinceridad. Con el 2026 a la vuelta de la esquina, Línea Doce se perfila como una banda emergente con mucho por conquistar. Su viaje musical apenas acaba de comenzar, y todo indica que lo mejor está por venir.

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En algún punto entre la nostalgia noventera y la urgencia del rock actual, nació Puño Dragón. Cuatro músicos asturianos que han encontrado la manera de sonar a clásico sin sonar antiguos, y de mirar hacia adelante sin perder el alma. Ellos lo resumen mejor: «Viejos pero modernos».

Su historia empieza en 2021, cuando la idea de montar una banda empezó a tomar forma y, tras cuatro años, llegó la alineación que hoy conocemos: Rafa Tarsicio (ex-Tigra) en la voz y guitarra, Germán Mingote en el micrófono y cuerdas, Manu Huertas (ex-The Parrots) en la batería y Erik Iglesias (ex- Destino 48) en el bajo.

El nombre de la banda surgió casi por accidente, mientras buscaban algo ‘grandón’ y divertido que reflejara su espíritu y sus recuerdos de infancia. Entre Dragon Ball y Pokémon: así nació Puño Dragón.

El estallido de Puño Dragón

En octubre de 2022 publicaron su primer single, ‘Carcaj’, que les llevó a su primer contacto con el público en la Sala Siroco de Madrid. Aquella noche fue su carta de presentación y demostraron que sus letras no tienen miedo de mostrar vulnerabilidad. En ella, hablan de sentirse pedidos, heridos y llenos de cicatrices, pero con el impulso de entregarse de nuevo, aun sabiendo que puede volver a doler. 

El entusiasmo por esta primera canción sirvió como antesala del primer álbum homónimo, publicado en 2023. ‘Puño Dragón’ es un disco con un imaginario musical que transita entre lo clásico y lo actual. Cada tema parece contar su propia historia, pero el todo muestra la coherencia del grupo: desde la declaración de libertad de ‘El baile del aire’, pasando por la intensidad contradictoria de ‘Mierda, creo que te quiero’ hasta la oscuridad caótica de ‘Necesito una pala’. 

En canciones como ‘Agua de mayo’ se sienten los recuerdos que se escapan y la nostalgia de lo que fuimos, mientras que ‘Veneno’ nos enfrenta a los demonios internos con brutal honestidad. ‘No quiero probarlo’ nos abraza con fragilidad y sinceridad, y ‘La caída de un imperio’ muestra el drama de las rupturas sin perder la ternura. El disco se cierra con ‘Entre las flores’, un suspiro íntimo que deja al oyente con la sensación de haber caminado un trecho con ellos. 

‘Juegos Violentos’, su segundo álbum

Tres años después, en 2025, llegaba su segundo trabajo, ‘Juegos Violentos’, gestado en House of Light, el estudio de Germán Mingote —uno de los componentes del grupo— en Oviedo, y se cocinó a fuego lento. Sin duda, muestra a Puño Dragón en plena madurez creativa. 

El trabajo discográfico arranca con ‘Bailén’, una despedida disfrazada de musical, donde dos amantes bailan por última vez sabiendo que lo suyo no tiene futuro. Luego llega ‘Ladrando a tu puerta’, que captura la soledad que queda después de una ruptura, la voz de quien se queda atrás resonando como un perro callejero, mientras la persona amada parte hacia su propio destino. 

La canción que da nombre al disco, ‘Juegos Violentos’, retrata una relación tóxica y cíclica, mientras ‘Emilia’ rinde homenaje a una mujer libre que dejó un vacío imposible de llenar. ‘No es un barranco’ y ‘Creo que ahora sí que lo entendí’ hablan de miedo, cambios y refugio en otros, mientras ‘Haré lo que pueda’ se convierte en un himno de entrega y amor incondicional.

Vamos llegando al final con ‘Masai Mara’ y su pasión salvaje de una relación intensa. ‘Ya te llamaremos’ y ‘Fantasmas’ enfrentan la ironía y los recuerdos que persisten tras rupturas para que ‘Súbeme!’ nos llene de deseo y miedo. Y ‘Vamos vampiros!’ cierra el disco con un estallido de juventud, libertad y urgencia por vivir.

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La gira de presentación de ‘Juegos Violentos’ les llevó a llenar salas como La Sol en Madrid y a recorrer buena parte de la geografía española. Esto los ha convertido en una de las propuestas más interesantes de la escena nacional. Porque el puño ya está cerrado, el dragón ha despertado, y su rugido parece que solo acaba de empezar.

Tras la ruta festivalera que están teniendo este verano, algunas ciudades como A Coruña, Zaragoza o Barcelona tendrán la oportunidad de disfrutar de su directo. ¡Las entradas están disponibles en la web oficial de la banda!

Fuente: @punhodragon

En paralelo, Puño Dragón no para. Han demostrado su versatilidad en temas como ‘La ciudad’ junto a Lucas Colman, ‘Hacernos viejos’ con Mateo Eraña y ‘El diablo de tu corazón’, firmado únicamente por ellos. Así dejan claro que el 2025 está siendo para marcar en rojo en su propia historia musical.

Escuchar ‘Puño Dragón’ es sentir que el rock todavía puede doler y emocionar, que puede hacernos reír, llorar y recordar, todo al mismo tiempo, y que estas canciones tienen la magia de quedarse pegadas al corazón mucho después de sonar. Y esto es lo que queremos hacerte ver con este artículo. Así que ya sabes, ¡síguelos para no perderte nada!

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Hay artistas que no necesitan demasiado para emocionar. Porque a veces, la música más honesta viene bajito, pero diciéndolo todo. Y si hablamos de las nuevas voces del pop-rock en nuestro país, aparece ese susurro del norte que está escribiendo su propio himno. Él es Mateo Eraña, nacido del silencio de una habitación en Gijón, de una flauta travesera que nunca fue el plan… pero que terminó abriendo todas las puertas.

La historia de Mateo no empezó con una guitarra eléctrica ni con un micrófono en mano. Empezó en el Conservatorio, a los 8 años, con una flauta travesera. Aunque lo que él realmente quería era tocar la batería, fue ese instrumento clásico el que le metió de lleno en el mundo de la música. Y así, sin saberlo, se fue forjando la sensibilidad musical que hoy le define.

Con el tiempo, y de forma autodidacta, también empezó a aprender batería. Ese fue su primer contacto real con el rock. Aprendió por su cuenta, se metió en bandas, probó escenarios pequeños… y un día se dio cuenta de que no solo quería marcar el tempo. Quería contar su historia con voz propia. Así empezó a cantar. Así empezó Mateo Eraña.

Como tantos artistas del norte, llegó un momento en que se encontró con un techo. Gijón le quedaba grande, emocionalmente, pero pequeño profesionalmente. Madrid le abrió el mapa: músicos, salas, oportunidades. Pero Asturias, su raíz, sigue latiendo en cada canción. Porque aunque ahora está de inquilino en la capital, la tierra tira. Y mucho. 

Gijón le vio nacer… y despegar

Enero de 2024 fue el punto de partida real. Mateo agotaba entradas en el Teatro Albéniz de Gijón con solo 17 años. No era solo su primer concierto “de verdad”. Era una especie de declaración emocional en casa. Allí grabó en directo su primer single: “Amor al aire”, una canción que ya hablaba de su forma de entender la música.

Dos meses después, volvía a emocionar a su tierra. Esta vez en un estadio. El Molinón, casa del Real Sporting de Gijón. En un homenaje familiar. Nieto de Juan Eraña, histórico del club, y sobrino de Iñaki Eraña, su vínculo con el fútbol era más que sentimental. Aquella tarde interpretó sus canciones —entre ellas ‘Labios impacientes— y, de repente, el fútbol y la música se abrazaron.

‘406’, su primer EP

En octubre de 2024, lanzó su primer EP, ‘406′, y con él, nos abrió un poco más las puertas de su mundo musical.  En ‘Labios impacientes’ se siente esa melancolía de perder a alguien especial, como una noche en la que los recuerdos y los deseos se mezclan con el paso imparable del tiempo. Con ‘Señoritas’ juega con esa sensación de caos y atracción que provocan esas personas que llegan a tu vida para desordenarla, dejar una huella intensa y desaparecer justo cuando menos lo esperas.

El miedo a perder a alguien se cuela en ‘Tengo miedo a perderlo’, una canción que refleja esa angustia y soledad que todos hemos sentido alguna vez, esa necesidad de aferrarse a lo que aún queda. Pero también hay espacio para la esperanza: ‘Hay luz’ transmite esa fuerza interior que aparece cuando todo parece apagarse, esa chispa que impulsa a seguir adelante pese al cansancio.

En ‘Amor al aire’ se mezcla el desamor con el orgullo, esa elegancia rota de quien intenta mantener la dignidad mientras el corazón lucha por recomponerse tras una ruptura. Y el EP se cierra con ‘Si tú no estás aquí’, un tema que habla del vacío y la tristeza profunda cuando alguien amado se va, y cómo ese dolor puede apagar la alegría y llenar el silencio de un eco difícil de olvidar.

Y este proyecto también ha crecido en escenarios con su artista. Porque este 2025, Mateo no ha parado. Lo hemos visto brillar en festivales como Boombastic Asturias, Mar de Jávea, Galaxy Sound en Málaga o para cerrar el verano en el Cooltural Fest en Almería o el Ewan Fest en Salinas, de nuevo en casa.

‘Transparente’, el nuevo capítulo

Mientras gira, no deja de escribir. Porque ya está en camino su primer álbum completo, que llevará por nombre ‘Transparente’. El single que le da título vio la luz en abril y habla de ese vacío que queda cuando alguien que fue tu refugio, ya no encaja: “Fuiste mi lugar seguro, ahora eres transparente como un cristal”. 

El disco también incluirá otras canciones que ya se han convertido en favoritas del público, como ‘Prometo no llamar’, una oda a los amores que se recuerdan con ternura y distancia, o ‘Hacernos viejos’, su primera colaboración, junto a Punho Dragón.

@mateo.erana

Hacernos viejos with Puñoooo #parati #rock #musicaenespañol #poprock

♬ sonido original – Mateo Eraña

¿Y ahora qué?

A día de hoy, Mateo sigue escribiendo canciones, tocando en salas y festivales, y dando forma a su sonido, lo que queda claro es que tiene mucho que contar y muchas ganas de hacerlo.

No tenía prisa, pero tenía algo que contar con su voz y su guitarra. Y ahora que lo está haciendo, no hay quien lo pare. Sus canciones están ahí para acompañarte. Tiene una manera de cantar que no necesita gritar para emocionar. Tiene ese algo entre lo clásico y lo nuevo, entre el pop y el rock, que conquista. Pero, sobre todo, tiene tiempo. Tiempo para crecer, para equivocarse, para explorar. Y también tiene presente. Porque ya es parte de una generación de artistas que entienden la música como un refugio. 

Así que si no lo conocías, este es el momento. Y si ya lo escuchaste alguna vez, seguro que sabes de lo que hablo. Porque hay canciones que no se olvidan. Y voces que llegan para quedarse.

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Hay nombres que se quedan grabados a fuego cuando los escuchas, y Sanguijuelas del Guadiana es, sin duda, uno de ellos. Suena a algo salvaje y da la sensación de que ahí dentro hay historia y carácter. Y no te equivocas. Detrás de este nombre tan llamativo hay tres veinteañeros de la Siberia Extremeña que han hecho de su pueblo, de su río y de sus verbenas el corazón de su música. Y están dando mucho de qué hablar.

Carlos Canelada, Juan Grande y Víctor Arroba son amigos de toda la vida, criados en Casas de Don Pedro, un pequeño pueblo de la provincia de Badajoz. Como tantos niños de su generación, pasaron los veranos corriendo de punta a punta el pueblo, bañándose en el Guadiana (no sin antes recibir el típico aviso de sus madres: tened cuidado con las sanguijuelas) y con una pasión por la música de por medio.

Con el tiempo, esa pasión fue creciendo y transformándose. Los tres comenzaron en la banda municipal del pueblo, tocando instrumentos que hoy ya apenas rozan, pero que les sirvieron para enamorarse de la música y de la sensación de compartir un ritmo juntos.

A medida que fueron entrando en los 20, esas reuniones informales de amigos haciendo música en cualquier rincón comenzaron a tomar forma: así nació Sanguijuelas del Guadiana.

El nombre, como suele pasar con las mejores cosas, llegó casi por casualidad. Tocaban en plena calle de Madrid, en el barrio de Moncloa, cuando alguien les preguntó cómo se llamaban. Sin pensarlo mucho, Juan soltó “Sanguijuelas del Guadiana”, un nombre que surgió de la nostalgia y de la infancia, del Guadiana que atraviesa su pueblo y de las sanguijuelas que sus madres les advertían que había en el río. Lo dijeron entre risas, pero se quedó grabado para siempre.

‘La Revolá’: el álbum que es un viaje al pueblo

En mayo de 2025 publicaron ‘La Revolá’, su primer álbum. Un disco que es una narración casi cinematográfica de su propia historia. Desde los veranos sin fin corriendo por Casas de Don Pedro, hasta esa necesidad de irse y buscarse la vida en la ciudad. Desde los primeros ensayos en cocheras hasta el encierro artístico en una vieja estación de tren de Malpartida de Cáceres. Todo está ahí, canción a canción.

En su sentido literal, “revolá” es esa salida rápida y sorpresiva, ese acto de marcharse sin avisar, dejando atrás personas y lugares de golpe. En el caso de Sanguijuelas del Guadiana, ellos también dieron esa revolá. La dieron a su manera. Nunca abandonaron realmente Casas de Don Pedro, aunque la vida les empujara a probar suerte en Madrid. Esa mezcla de ida y vuelta es la que define el pulso y el alma de este disco.

Fuente: Sanguijuelas del Guadiana

‘La Revolá’ cuenta, en orden cronológico, cuatro momentos de su historia. Empieza con los veranos en la brecha, como cantan en su canción ‘La Brecha’: la alegría de estar en libertad, sin más preocupación que jugar, bañarse en el Guadiana y vivir el presente. Esa etapa también remite a sus primeros años en la banda municipal, donde tocaban pasodobles y marchas, aunque en instrumentos a los que ya no le dan uso. Fue ahí donde comenzaron a aprender y a enamorarse de la música juntos.

Pero el paso de los años trajo la dificultad de crecer en un lugar pequeño, con pocas oportunidades para dedicarse a lo que realmente querían: hacer música propia y contar sus historias. Por eso llegó la etapa de la partida, del “castigo” de no encontrar su sitio. Así cantan en ‘Quiere parecer’, un pasodoble electrónico que refleja la impotencia y las ganas de escapar, aunque sin dejar del todo el lugar que los vio crecer. Carlos y Juan se mudaron a Madrid, mientras que David, el bajista, se fue a Cáceres.

Ese ir y venir constante es lo que inspira el tercer capítulo del disco, con temas como ‘Llevadme a mi Extremadura’, donde expresan ese anhelo por su tierra, un lugar al que saben que siempre podrán regresar y desde el que quieren construir su proyecto musical. Así, el verano de 2023 fue un punto de inflexión. Los tres regresaron al pueblo, cerraron filas y establecieron como base la antigua discoteca abandonada donde hoy ensayan.

El cierre es la canción que lleva el mismo nombre que el disco. Aquí se dan cuenta de que para ellos es fundamental hacer la música desde su pueblo, con su identidad y sus raíces. Porque ese regreso fue un paso adelante para seguir creciendo como banda y como personas.

Sin duda, este álbum suena a todas esas verbenas que marcaron su adolescencia, a influencias tan dispares como Extremoduro, Estopa o la música tradicional de su tierra, con un toque fresco que conecta a la perfección con diferentes generaciones. Un cóctel de rock, flamenco, electrónica y folklore que no para de conquistar a sus oyentes.

Verbena en vena (y en gira)

El pasado verano cumplieron uno de sus sueños: tocar en las fiestas de agosto de Casas de Don Pedro, con la plaza abarrotada de gente conocida, amigos y familia. Fue un momento mágico, una recompensa a todos esos años de esfuerzo.

https://www.tiktok.com/@sanguijuelas_/video/7503198303727668502?q=sanguijuelas%20del%20guadiana&t=1751997320537

Ahora, con la agenda llena de conciertos y ensayos que se hacen en la vieja discoteca del pueblo, Sanguijuelas del Guadiana están dejando claro que desde lo pequeño también pueden surgir grandes historias y mucha música que emociona.

Y tú, ¿a qué esperas para descubrirlos? Porque, sin duda, estos chicos tienen mucho que contar y un sonido que engancha de principio a fin.

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Imagen destacada: Sanguijuelas del Guadiana

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¿Sabes esa sensación de escuchar una canción y pensar que la escribieron sobre tu vida? Eso pasa cuando alguien canta con verdad. Y eso es justo lo que hace Eva Loma. No se esconde detrás de metáforas complicadas ni se inventa historias. Canta lo que ha vivido, lo que ha roto, lo que le ha hecho crecer. Y por eso, emociona.

A veces la música no necesita ser gritada para hacernos sentir. De hecho, cuanto más suave, más duele. Eva Loma es una artista madrileña que sabe todo esto y está empezando a dejar huella con su propuesta de ‘pop triste’, un estilo que, lejos de sonar apagado, emociona y nos abraza.

Un inicio sin prisas

Lo suyo con la música no fue un flechazo. De hecho, de pequeña, la apuntaron a clases de violín… y no le apasionaba. No lo disfrutaba. Y aunque a esa edad parecía que la música no tomaría las riendas de su vida, todo cambió unos años después, cuando descubrió el piano a los 14. Empezó a tocar, a componer, a entender que ahí había una forma de expresar lo que no sabía decir con palabras.

Viendo a su hermana mayor cantar, un poco por imitación, un poco por admiración, cuando se animó a probar. Y su primer recuerdo musical es digno de película adolescente: una escena cantando ‘The Climb’ de Miley Cyrus en su habitación, delante del ordenador. Es la primera vez que se sintió artista, aunque la Eva de ese momento aún no lo supiera.

Fuente: @evalomamusic

Fue en 2017 cuando todo empezó a cobrar sentido. Viendo a Amaia en Operación Triunfo, algo hizo clic. Encendió su pasión y le impulsó a tomarse en serio su formación. Dejó de ser solo una chica que cantaba en su habitación y empezó a construir un camino hacia su sueño. Clases de canto, grabaciones, fallar y volver a empezar. El camino de alguien que empieza desde abajo, con muchas ganas y sin prisas.

Ella quería ser cantante porque había cosas en su interior que necesitaban salir. Y en lugar de escribirlas en un diario, decidió convertirlas en canciones.

El pop triste como propuesta artística

En sus temas hay melancolía, sí, pero también mucha sensibilidad y una mirada honesta hacia lo que duele. Se mueve en ese universo que ella llama ‘pop triste’, donde las letras duelen un poco, pero también curan. Porque es nuestra compañía musical perfecta. Es, musicalmente hablando, nuestro «menos mal que alguien lo ha puesto en palabras»

Entre sus referentes están Marina Reche, Belén Aguilera, Ede, Joaquina, Samuraï… todas con un punto común: temas escritos desde el alma y listos para llegar al corazón. Eva también sueña con colaborar con Carlota Mad o Mercedes Cañas, artistas que, como ella, apuestan por una música sincera y llena de emoción.

‘Technicolor’: el álbum para volver a ver en color

‘Technicolor’ es el primer adelanto de lo que será su primer EP. Una balada llena de alma que habla de una relación en la que no se sentía suficiente. De ese momento en el que entiendes que amar no debería doler. Está escrita por ella y producida por Valdo, quien supo como envolvernos con pinceladas rockeras.

Es una metáfora de volver a ver en color tras una etapa gris. Cuando estás atrapada en una relación que te apaga, todo pierde brillo. Pero cuando te vuelves a encontrar a ti misma, los colores también vuelven. Y eso es lo que hay detrás de esta canción.  En palabras de la artista, «es un abrazo de tristeza». Y sí, te aprieta el pecho un poco, pero en el fondo te está haciendo bien.

Sin duda, su música ha evolucionado. Empezó con temas más sencillos como ‘Lies’ o ‘Candelabro’, pero ahora explora nuevos territorios musicales. Lo está haciendo sin renunciar a lo que la hace única: la sensibilidad con la que cuenta sus historias.

Los próximos pasos de Eva Loma

El EP completo —que verá la luz dentro de poco— es un viaje emocional. Cada canción representa una fase de ese proceso de dejar ir, sanar y reencontrarse. Y eso, en tiempos donde todo parece tener que ser viral o estéticamente perfecto, es un soplo de aire fresco. Eva simplemente es ella, con sus miedos, sus aprendizajes y su forma de entender la música como refugio.

Si no quieres perderte ninguna novedad sobre ella, ¡síguela en sus redes sociales! También puedes ver la entrevista que hemos tenido la oportunidad de hacerle a Eva Loma desde Why Not Magazine. En ella nos ha contado un poco sobre cómo ha sido su camino en la música y su historia.

Si te has quedado con ganas de conocerla mejor, ¡dale al play!

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Seguro que muchas veces quieres descubrir a un artista nuevo, pero Spotify no siempre acierta con el algoritmo. Sin embargo, desde Why Not Magazine queremos recomendarte a una cantante emergente, Paula Caveira. Quédate con su nombre, porque puede acompañarte en muchos viajes este verano.

Paula Caveira se subió al escenario de La Plaza de Toros de Las Ventas por primera vez hace unos meses ante unas 3.000 personas como invitada en el concierto de Maldita Nerea. Aunque la joven cantante repitió como telonera del grupo en la gira ‘Origen’, actuando en el Palau de La Música Catalana en Barcelona, pero también en Zaragoza, Bilbao y Guadalajara.

Fuente: Paula Caveira

Poco tiempo después de su primer concierto junto a Maldita Nerea, la cantante emergente lanzó sus primeros tres singles: ‘Tatuadora Faber-Castell’, ‘Gritando en Braille’ y ‘Daltónico’, que juntos ya suman más 70.000 escuchas en Spotify. Además, Paula Caveira agotó las entradas de su primer concierto el pasado mes de marzo en una sala junto a la Gran Vía de Madrid.

El pasado mes de junio, la artista estrenaba su último sencillo ‘Calaveras de Oaxaca’, el cual ya supera las 10.000 reproducciones en Spotify. Este tema es una invitación para romper con la rutina y lanzarse a la aventura, viajar desde Madrid hasta Pekín en tan solo tres minutos. Pero también habla de cruzar y romper las fronteras interiores, como hizo Paula cuando dejó la oficina para dedicarse a tiempo completo a su gran pasión, la música.

La artista emergente es una joya aún por descubrir, sobre todo para aquellos quienes buscan una banda sonora especial para este verano. Sus canciones están marcadas por melodías frescas y una poesía ingeniosa influenciada por la década de los ochenta. Paula Caveira ha conseguido en muy poco tiempo conseguir una personalidad arrolladora.

La joven cantante ya tiene previsto su segundo concierto propio en la sala Dick de Madrid el próximo 9 de octubre. No te la pierdas y consigue tus entradas. Si en su primer concierto agotó las entradas, este no va a ser menos. Descubre a Paula Caveira antes de que lo haga todo el mundo, porque se hablará de ella en unos años.

Imagen destacada: Paula Caveira

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Como muchos otros artistas emergentes, Julia Cry empezó su andadura musical de forma improvisada. Encontraba pistas musicales en Internet, cantaba encima y jugaba con su voz sin pensar demasiado en lo que estaba haciendo.

Pero a los 16 años, todo cambió. En un momento de dudas sobre su futuro, la música se convirtió en su refugio. Desde pequeña le encantaba escribir, contar historias y compartir sus pensamientos en las redes sociales. Con el tiempo, todo eso se transformó en letras de canciones. El rap y la música urbana fueron sus primeras influencias, y marcaron los primeros pasos de lo que más tarde sería su camino.

Los primeros pasos de Julia Cry en la industria

Su primer tema salió cuando tenía 16 años, de la mano de un sello discográfico y un mánager. Fue una etapa de mucha exploración en la que probó diferentes estilos y aprendió sobre el proceso musical. Sin embargo, cuando esas canciones vieron la luz, Julia sintió que no la representaban del todo. En lugar de quedarse con esa sensación, ella decidió tomar las riendas de su carrera y cambió de equipo, de enfoque y trabajó en nuevas versiones de sus temas. Todos ellos, finalmente, formaron parte de un EP que sí reflejara quién era realmente.

Desde aquel momento, ha ido tocando un montón de géneros sin encasillarse en ninguno. Aunque la música urbana es su principal influencia, no tiene miedo de probar cosas nuevas. «Si algún día quiero hacer un bolero, lo haré», ha dicho más de una vez. Y es que, para ella, lo más importante es mantenerse fiel a lo que siente en cada momento.

‘Instinto’: un álbum que lo cambió todo

2024 fue el año del lanzamiento de su primer álbum, de su carta de presentación. Quería mostrar quién era, compartir su música con el mundo y tener un repertorio sólido para sus conciertos. Como su primer directo en la Sala Búho Real (Madrid) el pasado 25 de febrero, con el que hizo historia al colgar el cartel de entradas agotadas. Fue una noche llena de emociones, con algunos invitados y el estreno en exclusiva de lo que será uno de sus próximos lanzamientos, ‘YOSE’. Tras esta cita, la cantante también llevará su música a las ciudades Huelva y Barcelona.

«Es una locura cómo algo que escribes en tu habitación acaba sonando en la boca de tanta gente».

Además, no fue su único logro a raíz de esta publicación. En el año que acabamos de dejar atrás, recibió dos Premios Yepes de la Música de la Región de Murcia, un reconocimiento que le recordó que todo el esfuerzo estaba dando frutos. Fue una forma de valorar el trabajo de todo el equipo que la acompaña en su camino.

Su paso por distintos programas

Recientemente, la participación de Julia Cry en el talent show ‘Feat‘ de RTVE Play ha sido un gran impulso en su carrera. Su interpretación de ‘Mafiosa’ de Nathy Peluso dejó a todos boquiabiertos, incluyendo al jurado formado por Lit Killah, Rusherking, FMK, Omar Montes y Ana Mena. Esta actuación tan memorable le permitió ser una de las primeras artistas en avanzar a la siguiente fase.

Coincidiendo con su paso por el programa, Julia lanzó ‘ICONIC’ junto a Dandara, otra de las participantes. Este sencillo llegó después del éxito del álbum t de canciones como ‘Noche de Damas’ y ‘Repetimos’ junto a Malbo.

Otro momento destacable fue su paso por el programa ‘CRIT’ de Televisión Española. Según ella, fue una experiencia intensa y llena de aprendizajes. Aunque el contacto con los jueces no fue muy cercano, la conexión con sus compañeros fue lo que más disfrutó.

2025: un año lleno de nuevos retos

Este 2025, Julia Cry está trabajando en un nuevo álbum con un concepto completamente distinto al de ‘Instinto’. Además, ya ha dejado entrever algunas colaboraciones con artistas a los que admira y ha anunciado paradas por diferentes puntos de España.

A lo largo del año, hemos podido descubrir nuevos temas como ‘Ganas’, ‘Yose’, ‘Jumanji’ junto a Nuel Aang, ‘Detrás de mí’ con Mark Dayle o ‘ÚLTIMA LUNA LLENA’ con R Climent. Poco a poco, cada lanzamiento y cada paso que da la acercan más a su objetivo: seguir creciendo.

Lo que empezó como un simple juego en Internet ha llevado a la murciana a convertirse en una de las promesas más fuertes de la música urbana. Y, con todo, demuestra que su pasión es real y que está aquí para quedarse. Su futuro pinta más brillante que nunca… ¡Síguela en las redes sociales para no perderte nada!

Imagen destacada: Julia Cry

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SUANN ofreció este viernes un concierto vibrante en la sala Siroco de Madrid, reafirmando su apuesta por un pop con tintes de rock alternativo, letras directas y una energía contagiosa sobre el escenario. Con una propuesta que combina naturalidad, desparpajo y una estética muy cuidada, el grupo madrileño firmó un directo honesto, sin artificios, y lleno de buenas vibraciones.

Desde el primer minuto lograron conectar con el público gracias a una actitud cercana, auténtica y una ejecución sólida. El arranque con ‘Siete pulgadas’ y ‘One big party’ marcó el tono de la noche: guitarras presentes, ritmos ágiles y una mezcla muy efectiva entre energía e intimidad.

Le siguieron temas como ‘Fácil’ y ‘El número primo’, que mantuvieron la intensidad mientras jugaban con estructuras más melódicas, demostrando que SUANN no solo sabe hacer ruido, sino también crear atmósferas.

SUANN protagoniza un concierto lleno de energía

Canciones como ‘¡Un, dos, tres!’ o ‘Nunca’ sirvieron para bajar un poco las revoluciones sin perder conexión con la audiencia, ofreciendo momentos más introspectivos y mostrando la versatilidad de su repertorio. Una de las sorpresas más celebradas fue la versión de ‘Send me a postcard’, bien integrada en el conjunto del concierto y ejecutada con personalidad.

A partir de ahí, la banda encadenó temas como ‘Malos tiempos’, ‘Corazón de polistron’ o una potente ‘De música ligera’, que reforzaron el tono festivo de la noche. El cierre del bloque principal con ‘Hot n’ cold’ fue un ejemplo de complicidad escénica.

El bis no bajó el nivel: ‘Rowland’ y ‘No salgo más’ devolvieron el ritmo, mientras que ‘Valerie’ y ‘París’ ofrecieron un cierre brillante. La cita en Siroco ha sido el inicio de un verano lleno de buen rollo y música.

• Así fue el último concierto de SUANN en Madrid

Imagen destacada: Diana Artacho – Why Not Magazine

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La cantante Lili Ritz lanza ‘Harakiri’, su nuevo single, una canción cargada de simbolismo y emoción que retrata el dolor visceral de los primeros momentos tras una ruptura amorosa. Este lanzamiento confirma que forma parte de un proyecto mayor: ‘Kintsugi’, el EP que la artista tiene previsto publicar después del verano.

‘Harakiri’ hace referencia al ritual japonés de suicidio que realizaban los samuráis por honor. Lejos de romantizar este acto, ella lo utiliza como metáfora para expresar el sentimiento desgarrador que deja una separación no deseada. “Nos has hecho el harakiri en cinco segundos”, canta Lili, en una frase que encapsula la violencia emocional de una ruptura repentina e impuesta. La canción se acompaña de un videoclip en YouTube en el que la artista aparece con vestimenta tradicional japonesa y una katana, reforzando el imaginario estético del tema.

Con este segundo single, Lili Ritz comienza a dar forma pública al concepto de ‘Kintsugi’, un EP que toma su nombre de la técnica japonesa que consiste en reparar cerámicas rotas con resina y polvo de oro. Para la artista, esta filosofía representa una forma de sanación personal: mostrar las cicatrices no como defectos, sino como testimonio valioso de la historia de cada uno. “Somos tan frágiles como las vasijas, pero podemos reconstruirnos sin miedo a mostrar nuestras grietas”, ha declarado la cantante.

Un EP de Lili Ritz lleno de emociones

El EP constará de una introducción y cinco canciones, cada una representando una etapa del proceso emocional tras una ruptura, desde el desgarro inicial hasta la reconstrucción. Todos los temas llevarán nombres japoneses, manteniendo la coherencia narrativa y estética del proyecto.

La portada del EP, creada por The Tile Project, muestra una baldosa de cerámica azul y blanca —colores corporativos de Lili Ritz— con el rostro de la artista dividido por grietas doradas, símbolo directo del kintsugi. Esta pieza visual fue completada por la propia Lili y su director creativo, Luis Panzano, quienes pintaron las fracturas doradas para representar las seis partes del EP. Cada single revela una sección de esta baldosa: Harakiri muestra el ojo derecho, en una clara conexión visual con el primer lanzamiento, ‘Kintsugi’, que vio la luz anteriormente.

Harakiri de Lili Ritz ya está disponible. | Fuente: Imagen cedida por la artista

Aunque aún no ha sido anunciado oficialmente, la artista ha confirmado que ‘Harakiri» forma parte del EP. Sus seguidores ya especulaban al respecto tras detectar las referencias visuales y conceptuales comunes entre ambas canciones.

Mientras esperamos conocer el nombre japonés de la próxima entrega, Lili Ritz sigue sorprendiendo con una propuesta artística íntima, coherente y profundamente emocional.

Imagen destacada: Lili Ritz

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Ian.Anillo es un joven cántabro que ha convertido la música en su forma de vida. Y su vínculo con esta rama artística comenzó incluso antes de nacer. Su madre, con una intuición especial, decidió que su hijo crecería rodeado de melodías, y así fue como, desde el útero, se empapó de ‘Voyager’ de Mike Oldfield, un disco que marcó su primer contacto con la música. Aquellas notas fueron la primera cuna de su sensibilidad artística, el primer lenguaje que aprendió sin necesidad de palabras.

A los 10 años, subió por primera vez a un escenario en la sala Black Bird, rodeado de músicos mucho mayores que él. Un año después repitió la experiencia en el mismo lugar, esta vez con compañeros que le doblaban o triplicaban la edad. Pero eso nunca fue un obstáculo, porque se lo tomó como una motivación.

Desde entonces, quedó claro que lo suyo eran los escenarios. No importaba el tamaño del público ni la magnitud del evento, la música era su hogar. Su actuación en la sala BNS, frente a 400 personas, confirmó que su lugar estaba ahí, frente al público.

Fuente: @ian.anillo

La pausa como reconexión

Pero, como en toda historia, hubo un punto de inflexión. La adolescencia trajo consigo una pausa en su camino artístico. Nuevas experiencias, primeras relaciones, el deseo de explorar más allá de las partituras y los ensayos. En medio de fiestas y un autodescubrimiento, a los 16 años intentó grabar una canción que no llegó a cuajar. Quizá no era momento, quizá aún tenía que vivir más para que su voz encontrase la verdad que quería contar.

Sin embargo, el destino tenía sus propios tiempos, y con 18 años, el amor y el dolor se cruzaron en su vida como dos acordes inseparables. Comprendió que la música era la forma más sincera de transformar la vida en arte. Inspirado por estas emociones, se dio cuenta de que podía dedicar su vida a la música sin esperar nada a cambio, pero con la convicción de que tenía algo que contar. ¿Y quién sabía si la suerte llamaría en algún momento a su puerta?

Con un carácter gamberro, elegante, valiente y reservado, pero también espiritual y artístico, Ian Anillo intenta abrirse camino en la escena. Lejos de las fórmulas predecibles de la industria, ha conseguido telonear a grandes artistas y actuar en salas de Salamanca, Madrid, Barcelona, Zaragoza y Bilbao.

Y lo más importante de todo esto es que este viaje le ha permitido descubrir mucho de sí mismo. En un mundo donde muchos buscan encajar en moldes comerciales, él ha decidido seguir su propio camino. Porque, para él, la música es un proceso de autoconocimiento y cada canción que escribe es el reflejo de una parte de sí mismo que necesita ser expresada.

‘Ian.Anillo’, su proyecto actual

Actualmente, el proyecto de Ian.Anillo sigue tomando forma. No tiene prisa, porque sabe que el arte requiere tiempo. Aunque su discografía aún es reducida, canciones como ‘444’, ‘Elizabeth Line’ e ‘Iluminaö’ han marcado su camino. De hecho, con esta última, descubrió lo que era ganar dinero con la música: sus primeros 15 euros sirvieron para invitar a su pareja al cine.

Aun así, su filosofía sigue siendo la misma. Prefiere trabajar en la sombra, perfeccionar su arte en privado y mostrarlo al mundo cuando realmente esté listo. Porque su prioridad es mantenerse fiel a sí mismo, sin perder su esencia en el ruido que puede llegar a hacer la industria.

La exploración musical sigue siendo su mayor reto. Está experimentando con sonidos, buscando su identidad definitiva sin encasillarse en un solo género. Sabe que la música evoluciona y que su arte debe hacerlo con ella.

Un futuro prometedor

Sus últimos lanzamientos, ‘Humo Denso’ y ‘Romancero pt.1’, muestran una evolución tanto creativa como audiovisual. Su estilo sigue madurando y tiene claro que quiere mostrar todas sus facetas: desde la más tranquila hasta la más agresiva o romántica.

Ian es un artista en construcción, pero con su verdad como base. Y en un mundo donde la autenticidad es cada vez más escasa, él ha decidido aferrarse a ella como su mayor fortaleza. Lo que está por venir promete y si algo queda claro, es que esto es solo el principio de un viaje musical que aún tiene muchas canciones por cantar. ¡Síguelo en las redes sociales para no perderte nada!

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Imagen destacada: @ian.anillo

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